Meet the People—COR Values Columnist Ellie Jenkins
by Ellie Jenkins
Hi everyone! My old friend Mike Harcrow asked me to introduce myself officially by way of this Meet the People column, so here is a bit about me and my lifetime of membership in the IHS.
I live in north Georgia, U.S.A., very near Chattanooga. I’m originally from Georgia, but from a very different part of it, the coastal islands. That’s where I first learned to play horn. I currently teach a great group of horn students at Berry College (fun fact: Berry sits on the largest campus in the world at 27,000 acres), along with other music classes at Dalton State College. I play my horn everywhere that will have me, including lots of orchestras, churches, and freelance ensembles. Karl Hill built a Geyer model horn for me in 2000, and it continues to serve me well. I’ve had the opportunity to play it in many amazing places including Taiwan, Brazil, Italy, Austria, and the Many Glacier Lodge in Montana.
In 2020, I began seriously studying natural horn and am pleased to say that I’m starting to feel fluent without valves. Honestly, I have covid to thank for giving me the time to devote nearly a year to playing natural horn almost exclusively while the world was shut down. I had great instruction (and moral support) from Anneke Scott as I was bumbling around in those early months. Now, I am continually looking for excuses to play my natural horn and for new music to learn—or old music that I learned on modern horn that was written for instruments without valves (like anything by Gallay).
I have been a member of the International Horn Society for many years since discovering its existence while at the University of Miami (where I met Mike). I remember being astonished when I first learned that there was a whole MAGAZINE devoted to the horn and horn playing. Until then, I’d never imagined such a thing. I sat on the floor of the school music library, pouring through issue after issue! In a world with no internet, no worldwide web, no cell phones, and no social media, The Horn Call opened a portal to information and people I had never heard of—and couldn’t get enough of. I went to my first International Horn Symposium in Kansas City at the prodding of my teacher, Doug Hill. (Keep scrolling to check out the interview with Professor Hill in this issue.) There, I played in ensembles with horn players who were already legends to me, and I got to hear concerts by both rising stars and renowned artists. I got to try what seemed like every horn and mouthpiece on the planet, and I bought more music than I could afford.
Thinking back, the International Horn Society has been with me every step of my journey since then. Most importantly, it helped to introduce me to “horn people” of all types. Those are the people who introduced me to new music, new players, new techniques, and new ways of thinking about the horn. A few years later, The Horn Call became the starting point of research for my doctoral project.
Even so, I now find myself with roles inside the IHS that I never anticipated: I’m on the committee for Online Music Sales, and I also edit a regular column in The Horn Call, “COR Values,” which spotlights our all-important vendors, those that sell and service all things horn-related. (Don’t tell anyone, but interviewing gives me a great excuse to talk to people whom I’d otherwise feel like I was bothering!)
If you’ve discovered the International Horn Society here at Horn and More, why not join now? Access all that Ellie finds so exciting, intriguing, and challenging! MH
Research to Resonance: Want to become a better musician this year?
by Katy Carnaggio
Okay, I’ll be the one to concede this: People always say that becoming a great musician requires discipline, but no one really talks about what exactly discipline entails. So, please pay attention and take notes…yes, with a pen and paper! Here is your success formula: Stress + Rest = Growth
Following are 4 steps to apply to get THE WORK done…like your favorite great athlete does!
#1—Align practice sessions with your peak learning cycles.
Your body operates in ultradian rhythms of approximately 90-minute cycles throughout the day. These rhythms determine when your brain is in a prime state for learning—that is, its most neuroplastic phase.
If you’ve ever stayed up late cramming for an exam, you know exactly what it’s like to work against these cycles: it’s strenuous. Capture those sweet spots of heightened neuroplasticity instead. You’ll be able to do deeper work with greater flow.
Note when you're most alert after waking up; that's your first ultradian cycle. You typically experience one more phase of high alertness in the mid-to-late afternoon. Together, these provide two optimal learning periods daily.
#2—Prioritize tasks according to intensity and meaning.
To be clear, each day, you normally have two opportunities to significantly deepen your knowledge, refine your skill sets, or improve your athleticism…or not. You get this time, but you get only this time.
You can’t grow in every direction at once, and you can’t choose when these optimal learning cycles occur. But rather than serving as limitations, these constraints provide opportunities to cultivate something of deep, intrinsic value. They ask you to decide what matters most, and they shape who you choose to become as a result.
Support your choices by using deep learning sessions to work on meaningful activities which can benefit from high levels of focus and concentration. Save the less-intense or less-important tasks for later.
Best Practices:
Instead of: using your optimal learning cycle to practice a routine you know like the back of your hand,
Try: compiling/creating/varying a routine to refine skills needed for upcoming performances.
Instead of: practicing after you’ve spent all your energy at your 9-5 job,
Try: waking up at 5:30 a.m. to leverage a ~7 a.m. learning cycle.
#3—Commit to focusing (and refocusing) during your deep work session.
Honor your practice sessions with total engagement and deep, unremitting focus. This is the time to introduce the stress part of the Stress + Rest = Growth equation.
If you aren’t pushing yourself to develop your skills, interpret your music thoughtfully, or to offer something qualitatively more beautiful to your audience, you will not grow.
Monofocus. Go “full throttle” on your musical development. It’s totally fine if it’s hard to do this at first. In fact, you will not be able to focus at peak levels for 90 minutes. Like any skill, your abilities to focus intensely, resist temptation, and to think deeply will strengthen with practice.
#4—Incorporate 10-30 minutes of deliberate recovery throughout your day.
Hard work is vital for thoughtful, compelling, and skilled performances. But hard work is often mistaken for relentless work.
Without adequate rest, we can’t recover well enough to work hard in the first place. We become stuck in an unfulfilling grind of doing “pretty good” work, never truly stressing ourselves to reach our full learning potential but never really resting either.
Incorporating recovery throughout your day not only expands your capacity to complete more than one deep learning session in a day, it also brings all your work to fruition as your brain rewires and consolidates learning during sleep or non-sleep deep rest.
Best Practices:
Instead of: bringing your attention into a tight focus by scrolling through videos on your phone during breaks,
Try: letting your mental states idle by staring out a window or looking around the room.
Instead of: traveling a familiar or mundane route,
Try: putting yourself in the way of beauty: reroute your commute or breaks, preferably through nature.
Tomorrow’s agenda? Listen to the rhythm of your body and mind. Aligning the rhythm of stress and rest with your biological rhythms is a powerful tool for sustainable excellence that will carry you through the year.
The Ambitious Amateur
by Marty Schlenker
Dear Fellow Ambitious Amateurs,
Welcome to our second column. In the first column, I introduced myself as a middle-aged guy whose enthusiasm for horn exceeded the time and focus required to channel it during the 22½ years since our oldest child was born. As she and her younger sister and brother have become adults, I foresaw more time available for horn and decided it was within reach to “up my game.” The pot’s been on simmer for a long time. Let’s see if I can turn up the heat….
Previously, I didn’t mention my intended audience: it mostly isn’t you. If you’re reading this column, you know what the IHS is, and you’ve taken the initiative to receive Horn and More each month…and you actually read it! If you’ve made it this far, you’re pretty invested in your horn playing. You’re probably the leader in your cadre of amateurs. You probably already know most of the things I will be discovering (or rediscovering) in the coming months. If you learn something new here, wonderful! At least let my experiences inform and affirm yours.
Instead, I’m writing for your community band section mates or fellow pick-up quartet players who have far more potential than they’ve ever considered. I am writing on faith that small tweaks and self-belief will take them a long way. I intend for this to be conveyed here as I document my post-peak-parenting horn journey and then to be transmitted by you. With your encouragement, your section (or quartet or whatever) will become more accomplished, more committed, and more joyful.
Back to the plot. I called Dr. Harcrow…with some apprehension. Why? Because it had been so long since I’d taken a lesson that I really wasn’t sure how much of my playing was ‘right’ vs. ‘wrong.’ I expected to have to go backwards in order to move forward, taking a more diligent approach to detecting and avoiding bad habits. But what if the prescription was to start over? What if Mike took one look at my open bite (ridiculously wide) and said, “Wow. You should have been a woodwind player. Not much I can do here…”?
Before I called him, a good thing happened. I figured I should get ready for our meeting, so I practiced more often, and I practiced a few etudes repetitively for polish instead of randomly going where my muse took me. This helped, a little. More air from more regular practice improved fullness of tone and marginally improved my upper register. More repetition improved accuracy. Folks, pass this on: the benefits of jumping back into lessons start before the first one even happens.
We had a very enjoyable introduction and first lesson. I could describe what I wanted: a more reliable upper register, a punchier bass clef, and more flexibility, for starters. Oh, and more richness and commanding presence of sound. I didn’t put it to Mike exactly this way, but I wanted to sound like all four members of the American Horn Quartet put together. Ambitious? Oh yes…yes indeed! I had formed hypotheses about where the opportunities for improvement lay. I expected that the discussion would dive quickly into micro-details of embouchure.
But that’s not how it went. Much of the lesson was spent on phrasing and musicality, using the Strauss Nocturno and Belloli Etude #8.
Having spent three summers in drum corps, and the last 20 years in a community band with a horn section of 3-4 members but with a trumpet section of 8-13, I was under the impression that I was never loud enough, never working hard enough. Mike: “Well, actually.…” Revelation #1 was that I was far louder than I understood myself to be. Prescription #1 was to work on expanding dynamic range on the softer side before the louder side.
Sounds easy, right? Perhaps for some; but for me, this prescription ran headlong into a corollary of the sound concept I mentioned above. Along with thinking I wasn’t loud enough, it was also really important to me to initiate every note very squarely, which I accomplished by tonguing hard, and very far forward, basically at the tip of my upper teeth.
From a discussion about sound, a significant technical prescription arose. My aggressive tongue was in the way, attempting to substitute for work that should have been done by my air. Move your tongue back. A-ha! Friends, pass this along too: a lesson may not go how you expect it to go.
Okay, this is getting long, and I should go. One thing first, though: I want to hear from you and relay highlights of your journey too! The one person I heard from after column #1 was Marilyn Bone Kloss who graciously invited me to receive her Cornucopia newsletter. (I would recommend it to all. Lots of neat stuff.)
Next column: the realities of splitting time between Pennsylvania and Los Angeles…and tonguing.
Marty Schlenker, Amateur Hornist
Research to Resonance: How to Make Every Practice Session Count
by Katy Carnaggio
Want the full breakdown?
If you don’t already have your practice journal figured out and working for your growth, this guide is about to save you DAYS of your life. Or, at least, a lot of brain power.
Here are 365 useful plug-and-play journal prompts to help you become a better musician the next time—and every time—you practice.
Are they PERFECT if you want research-validated strategies to refine your technique?
Absolutely.
What about the moments when the only research-validated strategy you’re interested in is scouring the internet for the fluffiest, most indulgent pancake recipe?
Yes indeed.
…and when you want to accomplish something specific like improving your accuracy?
Of course.
And when you want to develop your musicianship, boost your endurance, and memorize something, too!
Wishing you a holiday season rich with discovery and renewal and believing that this will help!
Winter Music Spotlight
by Caiti Beth McKinney
Hello horn friends! Instead of featuring one composer and discussing the music in depth, I decided to join the holiday festivities and introduce several brass quintet pieces about the fall and winter months.
First, we have Gwyneth Walker’s collection of quintets. Several of Walker’s brass quintets are suitable for festive celebrations, including her pieces A Season of Wonder, Fanfare Among Friends, and The Light Descending. Her music is frequently inspired by folksongs and other familiar genres like jazz, so her compositions are both approachable and highly enjoyable.
Another piece that I enjoy programming during the holidays is Violet Archer’s Two Fanfares for a Festive Day. Both movements of this piece are bombastic and lively, showcasing the virtuosity of the players, and performers can certainly select to perform either the “Majestic” fanfare or its “Joyous” companion.
Yet another composition highly suitable for this time of year is Judith Lang Zaimont’s Winter Music—Chanty. At five minutes long, this piece is full of shifting meters with a shanty flair. While perhaps requiring a bit of rehearsal, this work is well worth that investment.
If one is looking for a more esoteric interpretation of the holidays, Margaret Brouwer’s Tolling the Spirits is an eighteen-minute piece that reminds me of Dickens’ A Christmas Carol, especially Brouwer’s third movement, appropriately entitled “Spirits.” Performers are instructed to use air sounds, vocalizations, and other extended techniques to create an other-worldly soundscape. While not the most traditional interpretation of my self-imposed brief, I think this is a fun work to play at this time of year! Be sure to check out the other movements of the piece, including the “Monk’s Canon,” an inspiring interpretation of Renaissance vocal music and tolling bells—and, of course, another of Brouwer’s brass quintets, Celebration.
There are many other wonderful pieces to program during this season, but I would be remiss if I left out two of my current favorites: Dale Trumbore’s Light of Late November and Lauren Bernofsky’s Musica Solaris. I like to think that these pieces pair beautifully together, with the former being a peaceful and, at times, melancholy ode to the changing of fall to winter, while Bernofsky’s quintet reminds us that the sunshine that can break through even the bleakest cold.
Thanks for reading, and Happy Holidays to all!
Student Column—Community Service and Outreach
by Inman Hebert
Community service can be an important part of the holiday season. From food banks to toy drives, people band together to serve others. As horn players, we are musicians and community members, so we have unique opportunities to help others during the holiday season by spreading the joy of music throughout our communities.
Holidays are filled with social interactions, celebrations, and events. For some, holiday stress is heightened by struggling with expectations or increasing feelings of loneliness. In volunteer work to help others, we spark happiness within ourselves, find a sense of purpose, improve our communication skills, and establish new or develop existing relationships that connect us with our local community.
Volunteering allows us to focus on an audience that matters to us in places where the needs cannot be filled with professional orchestras or professional ensembles. Playing the horn can give joy to those often overlooked by society. Especially during the holidays, music can transport both those who play and those who listen to another place and time, evoking memories and emotions. Listening to music elevates mood and triggers sensations of well-being. Music enriches lives and brings people together for a shared experience.
Service also fulfills a vital professional role in the horn community: outreach. Often, the public views the horn with an air of mystery. Few people know anything about the instrument besides its beautiful shape. By playing more in our communities, we can demystify the horn. We show that the horn not only belongs in a concert hall but also plays an intrinsic role in the community.
How can we locate service opportunities for the horn? As students, we can contact mentors, music teachers, band directors, or professors for existing outreach. Universities may have well-resourced community programs. Band directors often have local connections, such as with local assisted-living facilities. We can research local music groups. Established groups may have venues in which they spread music across the community. Do not be afraid to reach out to them; they will appreciate your help! Volunteer to get involved with whatever groups are around.
Even if we cannot find a preexisting group, we can create our own! Find other students with a similar passion for serving the community. As music students, we are surrounded by other talented, passionate musicians. With those other students, set up public events. Play at parks, retirement homes, schools, or community centers. By playing in these public places, we build connections in the community.
Music is a universal language that connects people. Whether playing carols at a park or educating others about instruments, student horn players can be ambassadors for the horn and share our talents to impact our communities with service, creating musical bonds that spread our love of the horn throughout our society.
O Processo Criativo de Composição de uma Nova Peça de Música
por Ricardo Matosinhos
Matosinhos International Competition 2024
O processo criativo é frequentemente caótico, o que pode ser intimidante para muitos músicos. Como Sullivan descreve apropriadamente, “É como lavar um porco. Estou a falar a sério. É exatamente como lavar um porco. É confuso, não tem regras, não tem um início, meio ou fim claro, é um pouco irritante, e quando termina, não tem a certeza se o porco está limpo nem sequer sabe porque estava a lavar um porco.” (Sullivan, 2008, p. 46).
O meu processo criativo alinha-se bem com a descrição de Sullivan. É uma forma de caos controlado e acredito, firmemente, que a criatividade e o caos muitas vezes caminham de mãos dadas. Se seguirmos as mesmas rotinas todos os dias, há pouco espaço para a criatividade. Por exemplo, se estiver a trabalhar num aspeto técnico da interpretação e se continua a fazer a mesma tarefa da mesma forma, não é de esperar qualquer tipo de melhoria significativa. O que funciona com o seu professor ou com os seus amigos pode não funcionar necessariamente para si. Quando escolhemos um caminho diferente, abrimos a porta a novas possibilidades. Assim, tanto na interpretação de trompa como na composição ouse abraçar o caos, ser criativo e aprender com ele.
Posso pegar na minha trompa e começar a tocar a qualquer momento, mas tenho dificuldade em sentar-me à secretária e compor. Fui treinado como trompista, não como compositor. Como tal aprendi a ser espontâneo, a aproveitar as ideias conforme surgem. Às vezes estou no duche, a conduzir o carro ou a dois minutos de ir dar uma aula, quando uma ideia musical me ocorre. Em vez de me queixar, agradeço por esses momentos inspiradores, mesmo que nem sempre surjam nos momentos mais convenientes. Como tenho sempre o meu telemóvel comigo, abro uma aplicação de gravação e capturo a ideia. Se não tiver uma trompa por perto, posso cantar, murmurar, fazer percussão o assobiar. Isto pode até envolver canto de harmónicos ou vibração labial com multifónicos, quando estão envolvidas várias notas – vale tudo! Capturar o momento permite que a minha música flua sem excesso de análise. Mais tarde, quando tenho tempo, ouço as gravações. Infelizmente, algumas delas já não me fazem muito sentido. Nesses casos, extraio padrões rítmicos e motivos melódicos e tento voltar a entrar nesse estado criativo. Se funcionar, componho seja no papel, tablet ou no computador. Se não conseguir recapturar o estado de espírito, deixo e tento novamente noutro dia. Às vezes, no mesmo dia, ideias que pareciam esquivas, reaparecem subitamente. Outras podem pairar na minha imaginação durante dias antes de as colocar no papel.
Agora, dar-vos-ei alguns exemplos de como algumas das minhas peças ganharam vida. 'Heptafunk' é uma composição para doze trompas, onde apenas oito músicos usam bocais, enquanto os outros quatro tocam percussão com as suas trompas. 'Hepta' significa sete, e 'funk' evoca um ambiente funky. Assim, esta peça começa com duas indicações de compasso simultâneas 7/4 contra 7/16. Enquanto alguns compositores podem ver isso como uma oportunidade para explorar novas técnicas, como expliquei no meu processo criativo as minhas escolhas são muitas vezes mais espontâneas. Foi mais ou menos assim: um dia estava a caminho do trabalho e tive uma ideia em Dó Lídio Dominante com uma métrica de sete. Este modo, com os seu Sib e Fá#, surgiu naturalmente na minha mente assemelhando-se muito aos sons da trompa. Se começar uma série de harmónicos a partir do Dó e subir até ao 12º harmónico, o primeiro Fá e Si que encontrar são mais próximos do Fá# e Sib. Enquanto virava à direita num cruzamento, o clique do sinal de mudança de direção criou um contraste polirrítmico com a música que estava a cantar. Gostei do efeito, por isso, registei-o rapidamente no meu telemóvel e mais tarde incorporei-o na peça.
Também compus uma peça para um ensemble de flautas intitulada 'Onde é que eu já ouvi isto?' A inspiração para esta peça surgiu durante uma aula com um jovem aluno que estava a tocar a 'Machadinha', uma canção folclórica tradicional portuguesa. Começámos por a tocar num tempo lento e o aluno reconheceu-a, mas não conseguia lembrar-se do nome da música. No entanto, à medida que aumentámos gradualmente a pulsação, de repente, o aluno identificou-a. Esta experiência levou-me a pensar no efeito intrigante de pegar numa melodia folclórica bem conhecida e tocá-la num tempo diferente, criando a sensação de 'Eu conheço esta melodia, mas não consigo identificá-la.' Esta ideia deu origem a esta obra, que mais tarde ganhou um prémio de composição.
Outra peça com um título interessante é “There's a bottle in my (friend)ship!,” (Há uma garrafa na minha (amizade)!), tem uma história encantadora. Certa manhã, tive o primeiro ensaio de uma peça que compus para um trio de flautas. De tarde, um amigo aproximou-se de mim, perguntando se eu estaria interessado em compor uma peça para um ensemble de flautas para ser apresentada num festival de orquestras jovens. Inicialmente, hesitei devido a uma agenda apertada e às férias na Madeira dentro de alguns dias. No entanto, a menção de uma peça que envolvia garrafas afinadas despertou a minha criatividade. Era um dia quente, por isso, peguei numa garrafa de sidra de 33cl, anotei a nota mais aguda e desfrutei do seu conteúdo, anotando a nota mais grave na tessitura da flauta alto. Depois, passei para uma garrafa de vinho de 75cl, que se encontrava na tessitura da flauta baixo, e finalmente, uma garrafa de água com gás de 25cl. Desta vez Baco, o deus grego do vinho, inspirou-me a compor a peça e, em poucos dias, estava pronta.
Um dia perguntei à minha mulher, que é tradutora, se alguma vez tinha considerado escrever uma história infantil. Ela respondeu que preferia analisar e desconstruir frases em vez de as criar. No entanto, enquanto falava com ela, comecei a criar espontaneamente uma história sobre um gato que perdia as suas 7 vidas. Numa questão de minutos criei uma história, que se transformou num livro infantil e até mesmo num musical com uma orquestra sinfónica completa.
Como podem ver, o meu processo criativo não está predefinido. Quando decido compor uma peça é como lançar uma rede no desconhecido, sem saber que tipo de peixe vou apanhar. Às vezes, enquanto pratico trompa, os exercícios evoluem para peças ou estudos. Outras vezes, apenas duas notas ou um padrão rítmico servem de faísca para iniciar uma composição completa.
O grande trompista Douglas Hill (2001) recomenda a criação dos próprios estudos com base nas peças com as quais está a trabalhar. Esta abordagem permite-lhe encontrar soluções para problemas específicos que poderia não encontrar em estudos mais gerais. Hill também incentivava os alunos a comporem e o seu livro fornece informações valiosas sobre diversos processos e resultados. Um ponto crucial, que ele enfatizava, era que os alunos que compunham a sua própria música começavam a praticar com mais entusiasmo, porque gostavam de interpretar as suas composições. Isso melhorava as suas competências musicais e a sua capacidade de compreender e interpretar música composta por outros.
Para além dos estudos sugiro frequentemente aos meus alunos que criem as suas próprias cadências, pois isso pode melhorar significativamente as suas interpretações. As cadências devem demonstrar virtuosismo, mas não devem ser excessivamente desafiadoras, especialmente porque são, normalmente, interpretadas no final do primeiro andamento de uma peça. Embora tocar uma cadência composta por outro músico possa ser uma experiência valiosa, observei casos em que os músicos escolhiam cadências que não se alinhavam com o seus estilos de interpretação ou pontos fortes. Portanto, é essencial considerar fatores como o registo preferido, dinâmicas, articulações (legato ou staccato) e quaisquer técnicas estendidas da trompa que possa executar facilmente, o que pode melhorar a sua interpretação. Para auxiliar a criação de cadências, recomendo o livro de Michael Hoeltzel (2006), que descreve as melhores abordagens ao processo.
Composições de Tema e Variações oferecem um excelente ponto de partida para aspirantes a compositores, uma vez que fornecem material existente para trabalhar. Também encorajo os meus alunos a comporem as suas próprias variações quando interpretam peças que seguem esta estrutura. Através deste processo, obtêm uma compreensão mais profunda da música que estão a tocar, analisando a harmonia, as caraterísticas do tema principal e a forma como o compositor funde elementos musicais essenciais para criar as variações escritas. Mesmo que decida não partilhar as suas próprias variações com um público mais vasto, o processo em si ajuda-o a crescer como músico.
Tal como uma receita de culinária, a música é composta por vários elementos como ritmos, notas, articulações, dinâmicas e outros. Assim como comer o mesmo prato durante semanas pode levar ao aborrecimento, praticar os mesmos exercícios da mesma forma pode tornar-se monótono. A prática diária é crucial para a melhoria, mas isso não significa que não exista espaço para a introdução de variações. Pratico com variações subtis desde sempre. Esta abordagem não só me mantém interessado, como também leva a melhorias noutros aspetos da minha interpretação. Para ajudar os meus alunos e colegas músicos compilei estas ideias no meu método 'Horn365', que desenvolvi ao longo de 20 anos antes de o lançar.
O conceito de variar os exercícios também pode ajudar a manter a motivação e a fazer progressos de forma consistente. Consideremos a culinária italiana, conhecida pela sua mestria na variação. Ao mudar, simplesmente, o tipo de massa mantendo o molho constante podemos transformar a nossa refeição. Também podemos substituir a carne por legumes, peixe ou marisco. Todas essas mudanças ocorrem com um ingrediente de cada vez. Da mesma forma, a massa é principalmente feita de farinha de trigo e ao ser substituída por piza, todo o processo começa novamente. A beleza dessa abordagem culinária reside nas inúmeras variações que se conseguem obter, de forma simples com a alteração de apenas um elemento e também em saborear e compartilhar cada sabor com os amigos durante uma refeição. O mesmo princípio se aplica à música - ao adicionar variedade às suas sessões de prática, melhora e mantém-se motivado para praticar mais. Talvez, nalgum ponto desse processo, possa até mesmo compor uma peça de música e desfrutar da experiência.
Apesar de não ter um diploma formal em composição, descobri que tal não me impede de compor. Como trompistas, somos fluentes na linguagem da trompa. Entendemos as complexidades do nosso instrumento melhor do que qualquer outra pessoa. O nosso conhecimento supera o que qualquer livro de orquestração, instrumentação ou notação musical possa oferecer. Esta visão única permite-nos colaborar com os compositores ou até mesmo criar a nossa própria música. A ideia de escrita idiomática para trompa ganhou um papel de destaque, quando comecei a lecionar, e foi um tema central na minha pesquisa de mestrado e doutoramento. Enquanto buscava soluções para abordar questões específicas dos meus alunos, comecei a compor exercícios e estudos. Quando tentei inicialmente publicar o meu primeiro livro de estudos, as editoras mostraram pouco interesse nele e uma delas chegou mesmo a afirmar que só publicava música "escrita para humanos." No entanto, há uma década, organizei um concurso internacional online de estudos e, desde então, a minha música incluindo os meus estudos tem sido executada em todo o mundo. Infelizmente, ainda não há registo de apresentações por parte de extraterrestres. Se aprecia a minha música, agradeça ao Dr. Jeffrey Agrell, que desempenhou um papel fundamental em reconhecer a qualidade das minhas composições e abrir as portas para que o meu trabalho alcançasse um público global. O meu conselho aqui é não ter medo de partilhar a sua música com os outros. Se a aprecia, é provável que outros também o façam e com feedback construtivo pode aperfeiçoar o seu processo de composição.
O meu projeto mais recente envolve a composição de um novo conjunto de estudos técnicos para trompa, que tenho estado a escrever nos últimos meses. Com o lançamento desses onze estudos técnicos, estou a organizar outro concurso internacional online desta vez em colaboração com a minha editora na AvA Musical Editions. Convido-vos a todos a participar. Ao contrário de outros concursos de música tradicionais, não há taxa de inscrição - é totalmente gratuito. O único requisito é que os participantes executem as peças usando os originais. Na primeira ronda pode escolher um estudo deste livro novo e se desejar pode gravar mais do que um, sendo que cada vídeo conta como uma inscrição em separado, o que aumenta as suas hipóteses de ser selecionado. Na final, pode escolher uma das minhas peças solo. Além disso, esta competição oferece um aspeto pedagógico - todos os participantes, quer vençam ou não, receberão um feedback pessoal meu como compositor sobre a sua performance. Esse processo não só melhora a sua execução, mas também pode inspirá-lo a começar a compor a sua própria música. Mais importante, promete ser uma experiência prazerosa. Poderá encontrar mais informações no meu site:
https://www.ricardomatosinhos.com
Aguardo ansiosamente para ouvir as suas gravações e descobrir as suas composições.
Ricardo Matosinhos
Referências bibliográficas:
Hill, D. (2001). Collected Thoughts on Teaching and Learning, Creativity and Horn Performance. Warner Bros. Publications Inc.
Hoeltzel, M. (2006). Mastery of the French Horn: Technique and Musical Expression. Schott Music.
Sullivan, L. (2008). Hey, Whipple, Squeeze This - A Guide to Creating Great Ads (3rd ed.). John Wiley & Sons, Inc.
