Vom Europa-Schreibtisch—Ein Interview mit Prof. Samuel Seidenberg
von Austris Apenis
AA: Beginnen wir von vorne. Wie haben Sie das Horn ausgewählt?
SS: Das Horn ist das Lieblingsinstrument meines Vaters und wie auch meine zwei älteren Brüder vor mir startete ich mit dem Hornspiel mit dem Beginn meiner allgemeinen Schulausbildung im Alter von 7 Jahren. Es war also wie man so sagen könnte vorbestimmt und zu diesem Zeitpunkt von mir auch alternativlos als selbstverständlich angenommen.
AA: Wo sind Sie in einer musikalischen Familie geboren?
SS: Geboren bin ich in der ehemaligen DDR, also dem heutigen Ostdeutschland als dritter Sohn von einer am Ende acht Geschwister zählenden Pfarrersfamilie. Musik gehörte für uns immer zum Familienalltag. Auch mein Vater hätte gerne eine Musikerlaufbahn beschritten, er spielte in seiner Jugend Horn, Cello und Klavier. Aus politischen Gründen wurde ihm allerdings ein Musikstudium verwehrt.
AA: Wenn ich darf, warum wurde Ihrem Vater aus politischen Gründen die Ausbildung verwehrt?
SS: In der Oberstufe (Abiturphase) seiner Schullaufbahn hat sich mein Vater in einer Klausur des Faches „Staatsbürgerkunde“ nicht entsprechend den Erwartungen des Regimes geäußert. Er bekannte sich nach Vorladungen zum Rektor weiter zu seiner Meinung, was zur Exmatrikulation von der Oberschule und der Hochschule für Musik Leipzig führte, wo er bereits als Jungstudent immatrikuliert war.
So ungefähr wurde mir das vor vielen Jahren einmal erzählt.
AA: Irre! Wie lebte man damals in der DDR?
SS: Diese Erinnerungen reichen nun schon einige Jahrzehnte zurück und zum Zeitpunkt der deutschen Wiedervereinigung war ich gerade einmal 11 Jahre alt.
Wir lebten auf dem Land, das war ein einfaches Leben. Von den Grundnahrungsmitteln her waren wir abgedeckt, Luxus gab es nicht.Highlights waren Pakete von Verwandten aus der BRD zu Weihnachten mit einem Glas Nutella, welches bis mindestens Ostern reichen musste.
AA: Klingt nach einer völlig anderen Welt! Was denken Sie über das Hornspielen?
SS: Oh, diese Frage öffnet ein weites Antwortfeld!
Ich denke, das Hornspielen kann, über dem normalen, oder üblichen Erlernen der technischen Voraussetzungen, die es dem Spieler ermöglichen bei der Wiedergabe von Musikstücken mitzuwirken, ein besonderes Ausdrucksmittel sein, um sich den Zuhörern auf persönliche Weise mit allen Gefühlen und Emotionen mitzuteilen. Ich erlebe leider all zu oft, dass die spezifischen, technischen Hürden des jeweiligen Werkes den Spieler zu sehr in deren Bewältigung bindet und dabei der zu transportierende musikalische Inhalt, verbunden mit dem Empfinden des Spielers, im Hintergrund bleibt.
Hornspielen ist für mich also ein weites und komplexes Feld und in erster Linie ein Ausdrucksmittel, mit dem ich den aufgeschlossenen Zuhörern auch Einblicke in meine Gefühlswelt gewähre.
AA: Ich stimme vollkommen zu! 2004 haben Sie den 2. Preis beim Wettbewerb Concours de Genève gewonnen. Ich kann mir vorstellen, dass die Vorbereitung eine ziemliche Aufgabe war. Wie ging das? Haben Sie Ratschläge für Hornisten, die sich auf Wettbewerbe vorbereiten?
SS: In der Tat war die Vorbereitung neben meinen Orchesterjobs zu diesem Zeitpunkt keine leichte Aufgabe und hat nicht zuletzt auch Kompromisse bei der Auswahl des Programms erfordert.
Meine Sicht auf Wettbewerbe hat sich nicht nur aus der Sicht als Teilnehmer, sondern auch aus der Perspektive der Juroren verändert. Selbstverständlich braucht es eine Plattform, in welcher für alle die Möglichkeit besteht, sich der Öffentlichkeit zu präsentieren, um bei besonderer Eignung für den Musikmarkt entdeckt zu werden. Leider werden die Kandidaten zu oft durch schier unlösbare Programmvorgaben dazu gedrängt, Klangschönheit, musikalische Phantasie und emotionalen Ausdruck dem schieren Durchhalten zu opfern.
Musik ist kein Sport und sollte daher nicht in Höher - Schneller - Weiter gemessen werden!
AA: Wie hat sich Ihre Karriere danach verändert?
SS: Eigentlich hat sich nichts groß verändert. Ich bin bei den Bamberger Symphonikern geblieben und habe mich schließlich aus privaten Gründen beim RSO-Frankfurt (Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunks) beworben.
Einmal wurde ich im Nachgang des Wettbewerbs noch vom lˋOrchestre de Chambre de Genève zu einem Konzert eingeladen.
Ich denke, für die heutige Zeit bin ich medial einfach nicht präsent genug, und diese fehlende Werbung und Publicity hält mich defensiv im Hintergrund. Irgendwie ist das nicht mein Ding bzw. bin ich da vielleicht auch zu altmodisch und nicht Technik affin genug. Wer konkret nach mir sucht wird mich finden.
AA: Das ist eine unerwartete Antwort! Halten Sie Wettbewerbe für sinnvoll, um unsere Karriere voranzutreiben?
SS: Grundsätzlich ja! Ich wünsche mir allerdings von Musik-Wettbewerben, dass die Musik immer vor dem sportlichen Ehrgeiz steht! Ich erlebe zu oft, dass das geforderte Programm die jungen Künstler schier überfordert und es nur noch darum geht, wer den Anforderungsstress am besten aushält und am zuverlässigsten die Töne der Partitur liefert. Das ist in meinen Augen nicht der ideale Weg und hat sicher auch schon das ein oder andere Talent psychisch gebrochen.
AA: Sie sind Hornprofessor an der Musikhochschule Mannheim. Was denken Sie über den Unterricht?
SS: Seit über 10 Jahren unterrichte ich nun schon in Mannheim und ja - das Unterrichten ist eine wichtige Sache und nimmt uns in die Verantwortung, unseren Beitrag für zukünftige Generationen von Hornisten zu leisten. Gleichfalls den immer weiter steigenden Anforderungen der modernen Kompositionen gerecht zu werden, ohne dabei die „Alten Tugenden“ unseres als hoch romantisch entwickelten Ausdrunksinstrumentes Horn mit seinem großen farbreichen Klangspektum aufzugeben.
Allerdings ist das ausschließliche Unterrichten auch nicht immer einfach. Es kommen die Momente, in denen ich das eigene Spiel vermisse. Wenn zu lange die Nachfragen für adäquate Orchesteraushilfen, sowie nach solistischen- und kammermusikalischen Aufgaben ausbleiben, fällt es mir manchmal schwer, die nötige Inspiration für das Unterrichten aufzubringen. Die zurückliegende Pandemie war für mich jedenfalls in dieser Hinsicht keine leichte Zeit.
AA: Was ist Ihre Methode?
SS: Mit dem jeweiligen Studenten nach seinen spezifischen Ressourcen zu suchen, diese so zu entwickeln, dass sie ein Bewusstsein für den persönlichen Klang als Basis für ihre musikalische Ausdrucksfähigkeit entwickeln. Die stetig anliegende und fliessende Luft mit einem möglichst hohen Energiewert (Dichte, Intensität) bildet dafür die Grundlage. Ein möglichst weiter Mundraum mit viel Spielraum des Zungenrückens zur lockeren Modulation der Tonhöhen in Kombination eines in jeder Lage aktiven Ringmuskels mit stabil fixierter Unterlippe ist für mich dabei die Voraussetzung einer leichten flexiblen Technik. Die obere Lippe darf dabei maximal locker und frei nur von dem äusseren Ringmuskel gehalten schwingen.
Mein weiteres Bestreben ist es, den Studenten dabei zu helfen, ihre eigene musikalische Persönlichkeit zu finden. Dabei sehe ich mich bestenfalls nur noch als eine Art Supervisor.
Alles hier jetzt noch Weiterführende würde den Rahmen sprengen und ich belasse es bei dem Erwähnten.
AA: Ich stimme zu! Der Lehrer zeigt nur den Weg. Der Schüler muss selbst hinuntergehen. Wie haben Sie es geschafft, die Pandemie zu überstehen?
SS: Die Pandemie hat in meinen Augen, mit allem was daraus gemacht wurde, viel Menschlichkeit zerstört. Wir sind gespalten worden, sehr viele Menschen haben viel verloren. Das macht es schwer, darüber ganz offen zu reden.
Bis März 2020 habe ich neben meiner Professur sehr viel bei der Staatskapelle Berlin gespielt, das war sozusagen „mein Orchester“! Ich verbinde so viele unvergessliche musikalische Erlebnisse mit diesen Kollegen. Dies brach von heute auf morgen zu 100% weg. Ich habe auch sonst ab diesem Moment für etwa 1,5 Jahre nicht mehr gespielt. Ich war leer und wollte auch beim Unterrichten mein Instrument nicht mehr auspacken.
Ich habe versucht, mich trotz der einschränkenden Maßnahmen so gut es ging um meine Studenten zu kümmern. Ja, es war nicht leicht und einiges fast unmöglich!
Ab Oktober 2021 kamen dann vom Nationaltheater Mannheim Anfragen für Aushilfen im Orchester und ich habe begonnen, meine Ventile am Horn wieder beweglich zu machen. Aber das Spielen hat sich irgendwie anders angefühlt, mehr wie ein Hobby. Einfach zu Spielen, aus reiner Freude wieder Musik machen zu dürfen. Ich spürte keinen Druck mehr jemandem etwas beweisen zu müssen und empfand keinen Zwang mehr, erfolgreich sein zu müssen.
Die Staatskapelle vermisse ich trotzdem weiter!
AA: Ich freue mich zu hören, dass die Pandemie einen Lichtblick hatte! Du hast ein fantastisches Album mit den Konzerten von Franz und Richard Strauss aufgenommen. Warum haben Sie sich gerade für diese Stücke entschieden?
SS: Wir, der Hessische Rundfunk, der Dirigent Sebastian Weigle, das Aufnahmelabel und ich haben zusammen beraten und diskutiert wie sich was als stimmiges Ganzes verkaufen lässt und haben uns auf diese Kombination, Strauss—Vater & Sohn, verständigt.
Vielleicht kommen ja in Zukunft noch weitere Anfragen zu solchen Produktionen und es entstehen dann neue Kombinationen mit mehr Überraschungspotential? Ich stehe jedenfalls für Solches aufgeschlossen bereit!
AA: Das ist eine gute Kombination! Wahrscheinlich die berühmteste Hornistenfamilie aller Zeiten. Ich freue mich auf weitere Aufnahmen von Ihnen! Was würden Sie in Zukunft gerne aufnehmen?
SS: Ich bin da wirklich allem gegenüber ganz aufgeschlossen und kann mir sehr vieles vorstellen einmal aufzunehmen.
Konzerte aller Epochen, aber auch genauso unsere zahlreichen Kammermusikwerke mit Klavier.
Aber auch hier darf ich erwähnen, dass ich nicht der aktive Typ bin mich zu vermarkten. Vielmehr hoffe ich, von Menschen gefunden zu werden, die mit mir etwas einspielen möchten.
Ich sende Grüße an die gesamte Hornwelt und hoffe, wir stärken weiter alles was uns verbindet und überwinden in Zukunft die uns noch voneinander trennenden Barrieren.
AA: Danke Samuel für das tolle Interview! Viel Glück bei allem!
Fearless Performance—Five Tips to Start Your School Year…
…That You’ve Always Been Told But Which Really Are Game-Changers!
by Jeff Nelsen and Katy Carnaggio
1. Take some notes. You’re in school to become an expert. Well, experts are copious note takers. Committing to writing notes along the way will increase your success rate at whatever you think success is…unless your success is sitting in class and making the mistake of thinking you’re absorbing knowledge as you live near information. If you understand and agree with what’s being shared in class, that’s great. But that’s not enough. Write some things down, in your writing or typing, with some doodles or circles around the good stuff, collecting your Ah-ha! moments. Holding that pen or having the keyboard ready will absolutely keep you more engaged in class…and the bonus is that the classes will go by quicker too!
2. Share the planet. Today, make eye contact and smile. Yes, just do it…today. And especially with those people you don’t know. It’s so simple! It’s often NOT so easy…but we promise it will not hurt! Here’s why it’s easier than you think. Only about 20% of the people will be returning the eye contact with you, and of those, 75% of them will look away before they see your smile. That leaves 5% of your day’s people with whom you have to share a smile. Whew!! ? We don’t have to explain the benefits of sharing smiles with strangers, right? Both for you and them! We thought not…yay!
3. Set clear goals. Consider what the greatest version of you is able to do on horn and create a plan to get there. Setting clear, actionable goals for your musicianship can be the difference between "I hope" and "I will." Whether it's clarifying your articulation, improving your facility throughout the range, or finding responsiveness and breadth in the low register, pen down what the best musician version of you sounds like. Then, study it! Break the skill down into smaller tasks and work on building it, day by day.
4. Build your performance calendar. As you gear up for the new school year, ensure you're both giving performances and attending them. Performance isn't just about showcasing your talent; it's about growth, overcoming nerves, and knowing how to connect with your audience. Playing for others helps you refine your preparation methods and get comfortable sharing your music with those people we call “others.” Meanwhile, attending others' performances offers inspiration and expansion. (Yes, sometimes those performances show us what not to do…but that’s vital learning too!) It's a chance to absorb, reflect, and think: “How can I incorporate that into my own music-making?” So, pencil or Google Calendar in those recital dates, for both when you're in the audience and on the stage.
5. Consider starting a chamber group. There’s magic in collaborative music-making. Playing in a chamber group not only forces you to explore a diverse repertoire but also fine-tunes your listening and ensemble skills. Beyond the music, it's an opportunity to form deep connections with fellow musicians. Think about it: the camaraderie, the joy of joint successes, and the shared passion for music. If you've never been part of a chamber group, this could be your year to either join one or start one. Remember, it's not just about individual brilliance but how beautifully you can shine together.
As you step into this school year, let your passion for music be your guiding light. You’ve signed up for such a fantastic adventure of self-discovery! The other side of that is that contrary to pursuing a degree in math, diving into a degree in music means success is less about having the right answer…and it’s also embracing the reality that in the arts, being sure we have the answer or that we did it right is incredibly uncommon. Performing music is much more about taking the person you are right here and right now, crossing a magic line that exists between backstage and onstage, and executing the best sharing of what content, abilities, and belief you brought with you today. BOOM. You’ll find out later what other people thought. This journey of being a musician is filled with highs, lows, and rarely being sure. You have a lot of company on this journey, and it’s worth it. Ask around! Talk with those musicians you respect. They’ll tell you about their tears, their dreams not attained, and those times they thought they mattered…and how deep the desire to matter again goes. Here's to a melodious year ahead!
IHS 56 Slideshow and Video
by John McGuire
As host of IHS 56, I want to take a few moments to introduce myself and let you know a little bit about Colorado State University, our facilities, and the city of Fort Collins, Colorado.
I am in my 12th year here at CSU. When I was younger, I often imagined what my ideal place of employment and residence would be. After over a decade here in Fort Collins, I can tell you that this has checked almost every box for me: a great university, wonderful colleagues, terrific students with whom I get to work daily, and an awe-inspiring location just minutes away from some of the grandest natural wonders on the planet!
Our facility here at CSU, the University Center for the Arts, was originally built about a century ago as the Fort Collins High School. After the city built a new high school in the 1990s, the old building sat abandoned for many years. Fortunately, CSU had the wonderful foresight to purchase it, renovate it, and turn it into a world-class performing arts facility! Once you step onto campus, perform in our halls, and experience all that the International Horn Symposium has to offer, I think you will agree!
In the coming months, I will share many details about the 56th International Horn Symposium. Stay tuned because we have some incredibly exciting announcements coming soon! In the meantime, please take a look at a slideshow and video that I have put together to give you some introductory information on what CSU has to offer for 2024! Thank you!
Student Column—Deciding Where to Audition for College
by Inman Hebert
On the surface, the process of choosing where to study music may seem quite simple: find institutions of interest, apply, and audition. However, the process of narrowing your list may require a careful appraisal of different universities, colleges, and conservatories. For prospective students who do not already have a clear idea, start with your current horn teacher or other trusted advisors. These mentors know you as a student and can guide your decision. They also understand both the music school’s quality and atmosphere of learning.
Consider factors, such as campus life and the size of the student body and of the music program. Determine if you have an interest in the college experience that extends beyond music or whether you seek a conservatory: what is your preferred environment? Each institution provides a great deal of information about its program on its website. Use these resources to learn about the curriculum, professors, concerts, current and past students, and the application process.
In narrowing your list of schools, consider location and proximity to home. Do you prefer an urban or rural setting? Will there be more opportunities in certain locations? Then consider your financial means for traveling for auditions. While virtual auditions may sometimes be possible, read websites as scholarships may only be offered for in-person auditions.
For many of us, we must examine cost. From a financial perspective, look at the merit-based and need-based financial aid the school offers. If the scholarship numbers cannot place a school in your price range, then weigh the option and cost of student loans, or potentially strike the school from your list. Ask yourself whether a school is ultimately worth the cost of auditioning.
Reach out to professors for trial lessons. Lessons will aid in your understanding of teaching styles and will provide the opportunity to ask any questions about the school. The horn professor and studio will be your primary influence and key to your development in studying music. Also investigate the audition repertoire. Ideally, the institutions you choose will not have wildly divergent requirements. Some overlap between your school choices will help you focus your audition preparation.
In conducting your final review, include at least one school with a high chance of acceptance. While you may need to submit preliminary audition material, in-person auditions are typically held in January and February, so aim for 3 to 7 institutions. By carefully crafting your list, you can maximize your chances for successful auditions; however, do not stress as, ultimately, your college experience will depend on what you make of your opportunities once there.
Composer Spotlight—Roque Cordero
by Caiti Beth McKinney
Hello everyone! This month we’re taking a sharp turn away from the late-Romantic tonality of Ethel Smyth to the ground-breaking work of Roque Cordero. Perhaps the only well-known Panamanian composer to this day, Cordero got his start writing music for wind ensembles at the age of fifteen. Incredibly, at the age of twenty-one, Cordero also founded the National Orchestra of Panama, for the establishment of which he wrote his first orchestral work. His works range from tonal pieces from his younger years to far more avant-garde sounds, embracing rhythms and phrasing styles from Panamanian folk music while blending them with Modernist techniques.
For the horn, Cordero composed two chamber works: Music for Five Brass, a brass quintet, (available here), and Variations and Theme for Five, a woodwind quintet (available here). Both are incredibly challenging works, requiring great rhythmic dexterity and independence of line. Not for the faint of heart, Cordero’s woodwind quintet would make a great competition piece. The group that can give a convincing performance must be absolutely in sync, and furthermore must be highly conscious of texture and color. Challenge accepted, anyone?
Chamber Music Corner—Robert Kahn’s Serenade in F Minor, Op. 73
by Layne Anspach
Hello everyone!
Robert Kahn’s Serenade in F Minor, Op. 73 is the focus of this month’s Chamber Music Corner. Kahn was a German composer and teacher born in Mannheim in 1865. Kahn received his musical training at the Berlin Musikhochschule (1882-85) and the Munich Akademie der Tonkunst (1885-86). From 1894 to 1930, he taught piano and music theory at the Berlin Musikhochschule. Due to his Jewish heritage, Kahn was forced to retire from his position by the Nazis in the 1930s. He left Germany for England in 1937 where he resided till his death in 1951.
The historical suggestion is that the Serenade in F Minor, Op. 73 was first submitted to Kahn’s publisher Simrock as a trio for oboe, horn, and piano. Simrock did not believe he could sell many copies with this instrumentation, so he suggested that Kahn write it for the traditional piano trio (violin, cello, and piano). Kahn delivered parts for eight instruments that could be mixed and matched. Regardless of whether the story is accurate, the following parts were composed—Part A: oboe, clarinet, violin, or viola; and Part B: horn, viola, or cello. While there is a viola part for Part A, it seems to be quite uncommon in the possible configurations, thus reducing the number of ensemble options from twelve to nine.
Comprised of a single movement which lasts roughly eleven minutes, the piece has two main themes, each of which is interrupted by a faster section. Andante sostenuto (the first main theme) opens with the horn sustaining a single pitch while the piano rolls chords in two beat pairings. The oboe enters with the melody in m. 5, which is characterized by a hemiola at the beginning, after which the melody is passed around. This section is interrupted by a fiery Vivace propelled by running sixteenths in the right hand of the piano. The winds are seemingly in conflict with the piano as Kahn writes polyrhythms: triplet eighths in the winds and sixteenth notes in the piano. The winds “win” in the polyrhythmic conflict as the piano adopts the triplet eighth figures in the transition back into the Tempo I (Andante sostenuto).
The oboe introduces the new melody in the second main theme at Allegretto non troppo e grazioso. This features mordents and grace notes sprinkled throughout. The second interjection, Piu mosso, begins with an octave leap by both winds. The melody features a similar hemiola as the Andante sostenuto, but with different melodic content. After the piano restates the motif of the Allegretto, the final section is altered by changes of tempi. A molto rallentando sets up a seven measure Vivace coda bringing the piece to a brilliant conclusion which incorporates both the hemiola and mordents from the Andante sostenuto and Allegretto, respectively.
The reference recording features David Guerrier on horn. Additionally, Erik Ralske can be heard on a live recording with the clarinet, horn, and piano instrumentation; and Howard Wall is the hornist on the album Horn Trios by Brahms, Kahn, Koechlin & Dubois with the violin, horn, and piano instrumentation.
Chamber Music Corner—Spohr Quintet in C minor
by Layne Anspach
Hello everyone!
Chamber Music Corner is a new column that will explore chamber works which include horn. This month’s highlighted piece is Louis Spohr’s Quintet in C Minor, Op. 52 for piano, flute, clarinet, horn, and bassoon. While the most famous piano-and-wind quintets exchange the flute for an oboe (i.e., Mozart, K. 452 and Beethoven, Op. 16), there is a handful of wonderful pieces using Spohr’s instrumentation to examine in the future.
Louis Spohr was a German composer, violinist, and conductor born in Brunswick in 1784. He was an extraordinary violinist who wrote chamber compositions focused mostly on string works featuring himself. From 1799 through 1821, Spohr moved from one conducting/concertmaster position to another, all while touring Europe as a soloist. After 1821, he remained in Kassel as Kapellmeister until 1857, passing away two years later after a brief illness.
In 1820, Spohr was engaged by the London Philharmonic Society for the year. While in London, the health of his first wife, Dorette Scheidler, an accomplished harpist, started to decline to the point that she was unable to perform on harp. Considering this, Spohr wrote the Quintet in C Minor, Op. 52 as a piece for which she would play the piano part. The work features the piano heavily, almost to the extent of a piano concerto with wind accompaniment.
The first movement, Allegro moderato, establishes a lively gesture between winds and piano in sonata form. The second movement starts to feature the piano as soloist; Larghetto con moto begins with a slow introduction in the winds led by the clarinet. The piano follows alone, after which the winds join in the harmony. The B section is led by a piano melody with wind accompaniment as an underlying triplet pulse. Spohr composed gorgeous melodic interjections by the winds with the piano accompanying. The movement ends with a repetition of the A section to close out the ternary form.
The Menuetto: Allegretto opens with a downward-falling horn solo which hands off the melody to the piano. The minuet is melodically shared between winds and piano, passing back and forth in turn. The trio is a fantastic feature for the piano, Spohr presumably featuring his wife’s playing. The movement repeats the minuet and trio followed by a short coda. Finale: Allegro molto is an incessant drive of sixteenth-note energy from the piano. Presented by the piano, the B theme of this movement is, in my opinion, the most beautiful theme in the entire work. A horn melody responds to the piano with the other wind parts following in response. In the development, the piano continues at a blistering pace as the winds have elongated melodies. The movement ends with a typical recap representative of sonata form. The horn leads a three-note motif with the other winds responding during the transition to the coda. The movement ends with the music building in intensity and activity until the final chords.
The recording links are from Les Vents Français’ album Romantique; Radovan Vlatković is the hornist on the album.
