by Sandra Daniel

The Nairobi Symphony horns performing Gustav Holst’s “The Planets”

When you think of a place exploding with classical musicians, I highly doubt Nairobi, Kenya would be at the top of your list. That was the mindset I had five years ago during my first trip to Kenya in 2014. I traveled to visit a friend teaching string instruments at a private high school with no clue as to the development of a music conservatoire, several youth orchestras, and even an adult community orchestra to accommodate all of the blossoming musicians in Nairobi. I was shocked to find enough people learning and performing instruments to form more than one orchestra when where I come from in “the developed world” I had to drive an hour in any direction to participate in simple community bands. It was both thrilling and confusing at the same time. 

One of the things that drew me back to Nairobi to live was finding that among this growing world of musicians, my own beloved instrument, the horn, was almost non-existent. The instruments were not really available in the country. The rare horn players that were around were not taking students. All of the orchestras were using saxophones to fill in the horn gaps. The horn was like Bigfoot or a unicorn in Kenya. My thought was that while I do not consider myself to be an amazing horn player or teacher, at least I can do something to help fill in this obviously needed role.

Quizás el mayor desafío al que se enfrenta un profesor es encontrar una manera de motivar a sus alumnos. A veces, incluso los cornistas jóvenes más talentosos no pueden encontrar una manera de desarrollar su talento al nivel de dominar nuestro maravilloso instrumento, mientras que un estudiante con talento promedio lo hace.

El ímpetu de motivación que los estudiantes pueden tener durante una lección cuando se esfuerzan por hacer la mejor ejecución para su maestro, o durante un concierto mientras están bajo el hechizo de una audiencia, pueden apagarse durante las largas horas de práctica que son necesarias para primero desarrollar su talento y luego conservar ese rendimiento durante toda una feliz vida como cornista.

Siempre he usado imágenes mentales para motivarme. Tuve la suerte de tener acceso a una extensa colección de grabaciones de música sinfónica cuando era un niño. El sonido heroico de Roland Berger proyectando sobre el sonido la de Filarmónica de Viena en un “Tone poem” de Strauss se convirtió en parte de mi concepto de sonido, así como el fraseo noble y el sonido aterciopelado de Philip Farkas tocando la primera frase del segundo concierto para piano de Brahms. De hecho, cuando tenía dieciséis años, escuchaba una frase y luego corría al sótano e intentaba duplicarla.

Hasta el día de hoy nunca toco una sola nota sin llenar mi mente y mi alma con el sonido de la nota que vibra en la acústica de una de mis salas de conciertos favoritas. Antes de tener la suerte de tocar en estas salas, me emocioné imaginando que lo era. Las imágenes mentales me ayudan a enfocar mi mente, eliminar las distracciones y mantenerme en el flujo del momento.

Las innumerables horas de práctica personal que todo músico aprendiz debe usar pueden ser pesadas si se hacen de manera mecánica. Siempre aliento a mis alumnos a escuchar ejemplos de grandes músicos que trascienden sus instrumentos y vuelan con la música sin importar qué instrumento o cantante sea para que también puedan aprender a cautivarse con nuestra gloriosa forma de arte. Aprenden a no solo imitar un sonido de corno específico, sino que se emocionan con la energía que cualquier gran artista logra hacer flotar en las ondas sonoras.

Inculcar hábitos de práctica positiva es parte de mi concepto de enseñanza. Siempre enfatizo en la importancia de eliminar las distracciones durante el tiempo de práctica. En nuestro mundo moderno, las distracciones digitales son una tentación constante. Los teléfonos inteligentes, tabletas, etc solo deben usarse como metrónomos, afinadores, dispositivos de grabación o sustitutos de partituras impresas.

La importancia de la preparación mental antes de tocar se hizo evidente para mí después de mis primeros errores ante una audiencia. Si quiero centrarme totalmente en el concierto, esto es por lo que me esfuerzo durante el tiempo de práctica, que es de hecho la preparación para el concierto. Si me equivoco mientras practico, me detengo, analizo el error, pienso en cómo corregirlo, me relajo, escucho la primera nota de la frase resonando en el lugar donde tocaré el concierto y luego la vuelvo a tocar. Una repetición sin esto es a menudo una repetición inútil del mismo error. ¡No estamos jugando al tenis! No hay ningún árbitro que diga “¡Red!” cuando se falla la primera nota. No hay una segunda oportunidad para comenzar la cuarta de Bruckner. Tenemos que aprender cómo hacerlo bien la primera vez.

Un último consejo para la enseñanza: la mayoría de los estudiantes tienen un detector de “tonterías” incorporado. Asegúrese de que el consejo que brinde provenga de la experiencia personal y no sea algo que haya escuchado por ahí. Practique lo que predica. Predica lo que practicas.

Si quieres aprender más sobre mí y sobre mi método, visita: ericterwilliger.com

traducción de Juan Carlos Porras Castro

아마 교사에게 있어 가장 어려운 과제는 학생들에게 동기를 불어넣을 방법을 찾는 것일 것이다. 가끔은 정말 재능있는 학생들이 되레 우리의 이 아름다운 악기를 효과적으로 연습하는 방법을 찾아내지 못하는 경우도 있다. 일반적인 수준의 학생들은 오히려 찾아내는 데 말이다.

 의욕의 불꽃은 학생들이 개인지도 중 교사에게 자신의 최선을 보여주고 싶을 때라던지, 열렬한 관객들로 가득한 콘서트 등에서 생겨나곤 하지만, 정작 재능 발전의 초석이자 즐거운 호른 연주 생활을 영위하기 위해 필수적인 장시간의 연습으로 인해 점점 식어버릴 수 있다.

 나는 나 자신에게 동기를 부여하기 위해 이미지를 떠올린다. 나는 운 좋게도 어릴 적부터 수많은 오케스트라 녹음본을 접할 수 있었다. 빈 필하모닉이 연주하는 슈트라우스의 교향시에서 뿜어져 나오는 로렌드 버거(Roland Berger)의 웅장한 소리와, 필립 파카스(Philip Farkas)가 연주하는 브람스 피아노 협주곡의 첫 소절의 고급스럽고 부드러운 소리는 나의 호른 음색에 대한 개념의 토대가 되었다. 내가 16살일 적엔 이런 연주를 듣고는 곧장 지하실로 내려가 그 소리를 따라 해보려 애썼던 기억도 있다.

 오늘날까지도 나는 머릿속에서 내가 가장 좋아하는 홀에 가득 울려 퍼지는 소리로 내 마음과 영혼을 적시지 않으면 단 한 음절조차 연주하지 않는다. 내가 이런 홀에서 연주해 볼 기회가 있기 전까지는 내가 마치 그곳에 있는 것처럼 상상하는 것만으로도 전율이 일었다. 이미지를 상상하는 것은 주변 방해요소를 제거하고 흐름에 완전히 집중할 수 있게 도와준다.

 자라나는 새싹 음악인들이 많은 시간을 할애하는 개인 연습은, 그저 기계적으로 연습한다면 굉장히 지루할 수 있다. 나는 학생들에게 악기에 상관없이 훌륭한 연주자들의 음악을 들어보고, 그들이 어떻게 자신의 악기와 함께 음악을 승화해 냈는지 관찰해 보라 한다. 이를 통해 그 방식을 소화하여 어떻게 우리의 멋진 예술 형태에 적용할 수 있을지 탐구해 보는 것이다. 학생들은 그저 어떤 호른주자의 특정 음색을 따라 하는 것이 아닌, 예술가들이 음악의 흐름을 통해 만들어내는 에너지에 감명받는 법을 배울 수 있다.

 나의 교육관 중 하나는 좋은 연습습관을 길러주는 것이다. 나는 항상 연습 중에 방해가 될만한 것을 치워두라고 강조한다. 현대사회에서 전자기기의 유혹은 정말 벗어나기 힘들 것이다. 스마트폰, 태블릿 컴퓨터 등은 메트로놈, 튜너, 녹음기나 악보로써만 사용되어야 할 것이다.

 처음으로 청중들 앞에서 실수해 본 이후, 연주 전의 정신적 준비의 중요성은 나에게 굉장히 중요해졌다. 실제 공연에서 온전히 집중하기 위해, 나는 연습할 때 다음과 같은 부분에 신경 쓴다. 연습은 공연의 준비과정이기 때문이다. 만약 연습 도중에 실수한 점이 있다면 나는 그 자리에서 멈추고, 실수를 분석하고, 어떻게 해야 고칠 수 있을지 고민한다. 또 침착하게 집중하여, 콘서트장에 울려 퍼질 음악의 첫 소절을 상상해보고, 다시 연주하여 본다. 이러한 과정을 거치지 않은 반복적인 연습은 그저 같은 실수를 반복하게 되는 무의미한 연습일 뿐이다. 우리는 테니스 경기를 하는 것이 아니다. 첫 서브 실수를 했을 때 ‘네트!’라고 외쳐 줄 심판이 있는 것도 아니다. 공연 중에 브루크너 4번을 처음부터 다시 시작할 기회는 주어지지 않는다. 우리는 한 번에 성공할 수 있는 법을 배워야만 한다.

 마지막으로 조언하자면, 대부분의 학생은 “빌어먹을” 촉을 가지고 있다. 어디선가 들어본 내용이 아닌, 당신의 개인적 경험에서 우러나오는 조언을 하도록 하자. 강의한 대로 연습하고, 연습한 대로 강의하자.

 ericterwiliger.com에 접속하면 내 교수법에 대해 더 자세히 알 수 있다.

 Translation by Do Won Hwang