by Eldon Matlick

I have had the opportunity to develop close relationships with several Viennese hornists during my visits over a 9-year tenure performing with the Classical Music Festival in Eisenstadt, Austria. My first contact was Florian Janezic, hornist with the Haydn Brass. This wonderful ensemble performs weekly at the Esterhazy Palace. The superb musicianship of this ensemble was a pleasure to behold. I went backstage and introduced myself and to my amazement, all spoke fluent English. I learned that Florian was an outstanding teacher, having many successful students accepted into various music programs in Vienna. In addition, he is a talented composer and has written several horn ensemble pieces for the Wiener Waldhorn Verein.

Andreas Hofer, by Florian Janezic

During my final year with the Classical Music Festival, I was offered the opportunity to sit in on a rehearsal with the Wiener Waldhorn Verein. It was an experience I will always treasure. For me, it was a bucket list event. The opportunity to sit in an ensemble with 14 Wiener horn players was a magnificent aural experience. The way their sounds blended in an indescribable overtone resonance was startling. I knew then and there that I had to get my own Vienna Horn.

Through the years, I have had the opportunity to travel to Austria on my own and visit various hornists, and I traveled to the village of Freischling to meet with horn maker Andreas Jungwirth. I went back in 2018 and bought one of his Vienna Horns. 

L to R: Eldon Matlick, Andreas Jungwirth, Professor Albert Heitzinger

The following year, I was invited to come to Vienna with my college horn ensemble (OU Hornsemble) to share a concert with the Wiener Waldhorn Verein.

Wiener Waldhorn Verein

The event was a celebration of the 135^th Anniversary of the WWV with a concert in the town of Ohlsdorf. Surprisingly, the hall was packed, every chair filled. The look on my student’s faces when they heard the WWV in the sound check was one of awe. They couldn’t believe the tonal richness of the ensemble and the perfect intonation allowing overtone resonance to create an even bigger tone. Since then, I now understand that Austrian horn players never think in terms of volume. Instead, there is more tone or less tone.

My students had the opportunity to have masterclasses with Gerhard Kuhmer (former solo hornist, Vienna Volksoper) and Peter Dorfmayr (Principal hornist, Wiener Symphoniker). They also heard the Vienna Philharmonic Orchestra in rehearsal and met with the horn section afterwards. It was there where I was first introduced to Thomas Jöbstl who is currently one of the rotating Principal hornists of the VPO.

Since retiring from the university, I have acquired a Yamaha Vienna Horn. This instrument and the Jungwirth are the most common Vienna horns I have seen. From my experience, it seems that in the VPO, 55% use Yamaha, 40% use Jungwirth, and 5% use an instrument from another manufacturer. In Vienna, the Wiener horn is exclusively used in the Vienna State Opera, Vienna Philharmonic, Vienna Volksopera, and the Vienna Symphony Orchestra. The decision between horn manufacturers is based on aesthetic factors. Both Yamaha and Jungwirth are fine instruments, but the Yamaha is much heavier than the Jungwirth. I like having both because on aggressive music, the Yamaha seems a bit more stable, but the Jungwirth offers the tone and suaveness that speaks to me.

A few years ago, I found a paper on the history of the Vienna Horn written by Thomas Jöbstl when I was searching for material on the Vienna Horn. It was interesting but wasn’t current, since it had been written in 2001. This past winter, I found Mr. Jöbstl’s original paper. I found out it was a Thesis written for the Department of Acoustics—Vienna Sound Style IWK of the University of Music and Performing Arts in Vienna. This original paper was much longer and had more data on acoustical matters of various performers playing a variety of instruments of different manufacturers. Included in the last section are interviews with the test subjects and evaluations of the tonal resonance of the players and various instruments, along with natural overtone comparisons of the various makes of Vienna Horns.

It seemed to me that the paper should be available for English speaking hornists as the acoustical part of the study was utterly fascinating. I decided that this would be a worthwhile retirement project. Thus, using translation software from Google Translate and DeepL Translate, I worked my way painstakingly through the entire treatise. When I finished, I sent a copy to the author. Not long thereafter, I was contacted by Dr. Gregor Widholm of the Department of Musical Acoustics (Wiener Klangstil) of the IWK. He was a bit apprehensive about what I was doing, but he offered me assistance in the clarification of misleading information as well as outright wrong information. We went back and forth for months. In between these exchanges, I decided to update information on current manufacturers of Vienna Horns and the mouthpipe crook. I also added some information about Viennese instruments and mouthpieces available since 2001.

Truthfully, Dr. Widholm was skeptical of my additions and wanted to be very clear in the paper what was my contribution as opposed to Mr. Jöbstl’s original work. We came up with the solution that the bulk of my contribution would be at the conclusion of the portion dealing with the history of the Vienna Horn. All my contributions are defined by italics and brackets. When I sent Dr. Widholm my final draft, he was very pleased. He and the author agreed this should be the only authorized English translation of Mr. Jöbstl’s paper. The title is The Influence of the Musician and Instrument on the Viennese Sound of the Horn.

I have supplied a copy of this paper to the IHS Thesis Lending Library. In addition, I submitted a copy of Dr. Widholm’s updated article “The Vienna Horn: Its Acoustics and Playing Technique (Extended Version 2022)” written for the Historical Brass Society. This paper includes sound file examples from Wiener horn players and regular double horn players. This is another fascinating article, and it would be an interesting project for someone to do a similar study with double horns.

Dr. Eldon Matlick is the retired Principal Hornist of the Oklahoma City Philharmonic Orchestra and retired Professor of Horn at the University of Oklahoma. In addition, he is the founder of the American Vienna Horn Society. His experiences visiting Vienna and with the Wiener Waldhorn Verein have led him to being an active advocate of the Vienna Horn.

by Caiti Beth McKinney

Hi Horn Friends!

This September, I want to introduce a composer who has written over 2000 compositions, from chamber and solo music to film scores and, most of all, jazz. David Nathaniel Baker, a Pulitzer prize-nominated, Emmy award-winning musician, was among the first to write jazz method books. (Jazz had previously been taught primarily through aural instruction.) The definition of grit and determination, he dealt with a series of difficult life circumstances that could have ended his career. Instead, he triumphed over discrimination and tragedy to become a musical paragon.

Born in Indianapolis in 1931, Baker was raised during the years of segregation and so was required to attend schools designated for African American students. It was while attending Crispus Attucks High School that he began performing on trombone, and he quickly became a regular in the Indianapolis jazz scene during the 1940s and 50s. He then attended Indiana University where he earned both his bachelor’s and master’s degrees in music education. In 1953, Baker was involved in a car accident which injured his jaw and derailed his thriving trombone career.

After completing his education, Baker began teaching at Lincoln University in Jefferson City, Missouri. During his tenure at the historically Black college, he taught composition to a number of rising composers, including John Elwood Price. However, after his marriage to white opera singer Eugenia Marie Jones, Baker was forced to resign his position due to the state’s anti-miscegenation laws which were not repealed until 1969.

Eventually, Baker returned to academia when he became a professor at Indiana University where he founded the jazz studies program. In 1991, he began working with Gunther Schuller (a name we as horn players should all know) to run the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra.

Although his main focus was jazz, Baker composed many works for orchestral instruments, at one point completing a commission for the International Horn Society. His works which utilize horn include Piece for Brass Quintet and Solo Orchestra (1988) and three woodwind quintets composed in 1971, including one entitled From “The Black Frontier.” While none of these works has been recorded—I’m issuing another challenge here—please enjoy this video of him with a jazz group in 1976. 

by Ian Zook

Volume 10—Daniel Bourgue

This month, we are celebrating the luminary French performer and teacher Daniel Bourgue. Regarded as one of the finest soloists of his generation, Bourgue was an exemplar of the French aesthetics of tone and style and was a prolific recording artist. Our featured album, Two Centuries of French Music for Horn, was released in 1974 and includes many repertoire favorites performed with the Orchestre National de l’Opéra de Monte-Carlo.

Daniel Bourgue (1937-2023), born in Avignon, France, was a pupil of Jean Devemy at the Paris Conservatory, and he earned the Premier Prix there in 1959. His biography (provided by the International Horn Society) lists an extensive orchestral career. He maintained a long tenure as principal horn of the Orchestre du Théâtre National de l’Opéra de Paris, from 1964 to 1989, and he was a founding member of the Ensemble Intercontemporain in 1976. He premiered many works for horn, most notably the original solo work from 1971 by Olivier Messiaen that became the Interstellar Call in Des canyons aux étoiles, and the Divertimento by Jean Françaix.

Daniel Bourgue demonstrates a thorough mastery of the works on this album, lending an understated artistry that elevates the pairing of the horn with these original orchestrations. Bourgue allows the timbre of the various orchestral instruments to guide his own tonal palette, as we can hear in the following examples.

Dukas’ Villanelle reigns among our most enduring recital pieces. There are many orchestral colors that we miss with piano accompaniment—the atmospheric tremolo of the violins, the churning thrum of the violas and violins in the interstitial melody, and the woodwinds that dovetail and punctuate the horn’s melody:

Saint-Saëns’ Morceau de Concert is a similarly durable masterpiece, yet hearing the colors and textures of the orchestral scoring breathes life into this standard. Bourgue’s sturdy tempo and nimble execution is made buoyant through the variety of colors provided by the strings and winds:

Near the conclusion of Chabrier’s Larghetto, Bourgue’s clear and precise sound floats easily above the warm and supportive string accompaniment:

Vincent D’Indy’s Andante Cantabile is a seldom-recorded and magical gem! Bourgue tastefully leans into the phrases, evoking a musical atmosphere of nostalgia: 

This album certainly serves as a refreshing review of many standard pieces, impeccably performed by Daniel Bourgue. We hope you’ve enjoyed listening to excerpts from Two Centuries of French Music for Horn, and thank you for reading Horn on Record!

 von Austris Apenis

AA: Beginnen wir von vorne. Wie haben Sie das Horn ausgewählt?

SS: Das Horn ist das Lieblingsinstrument meines Vaters und wie auch meine zwei älteren Brüder vor mir startete ich mit dem Hornspiel mit dem Beginn meiner allgemeinen Schulausbildung im Alter von 7 Jahren. Es war also wie man so sagen könnte vorbestimmt und zu diesem Zeitpunkt von mir auch alternativlos als selbstverständlich angenommen.

AA: Wo sind Sie in einer musikalischen Familie geboren?

SS: Geboren bin ich in der ehemaligen DDR, also dem heutigen Ostdeutschland als dritter Sohn von einer am Ende acht Geschwister zählenden Pfarrersfamilie. Musik gehörte für uns immer zum Familienalltag. Auch mein Vater hätte gerne eine Musikerlaufbahn beschritten, er spielte in seiner Jugend Horn, Cello und Klavier. Aus politischen Gründen wurde ihm allerdings ein Musikstudium verwehrt.

AA: Wenn ich darf, warum wurde Ihrem Vater aus politischen Gründen die Ausbildung verwehrt?

SS: In der Oberstufe (Abiturphase) seiner Schullaufbahn hat sich mein Vater in einer Klausur des Faches „Staatsbürgerkunde“ nicht entsprechend den Erwartungen des Regimes geäußert. Er bekannte sich nach Vorladungen zum Rektor weiter zu seiner Meinung, was zur Exmatrikulation von der Oberschule und der Hochschule für Musik Leipzig führte, wo er bereits als Jungstudent immatrikuliert war.

So ungefähr wurde mir das vor vielen Jahren einmal erzählt.

AA: Irre! Wie lebte man damals in der DDR?

SS: Diese Erinnerungen reichen nun schon einige Jahrzehnte zurück und zum Zeitpunkt der deutschen Wiedervereinigung war ich gerade einmal 11 Jahre alt.

Wir lebten auf dem Land, das war ein einfaches Leben. Von den Grundnahrungsmitteln her waren wir abgedeckt, Luxus gab es nicht.Highlights waren Pakete von Verwandten aus der BRD zu Weihnachten mit einem Glas Nutella, welches bis mindestens Ostern reichen musste.

AA: Klingt nach einer völlig anderen Welt! Was denken Sie über das Hornspielen? 

SS: Oh, diese Frage öffnet ein weites Antwortfeld!

Ich denke, das Hornspielen kann, über dem normalen, oder üblichen Erlernen der technischen Voraussetzungen, die es dem Spieler ermöglichen bei der Wiedergabe von Musikstücken mitzuwirken, ein besonderes Ausdrucksmittel sein, um sich den Zuhörern auf persönliche Weise mit allen Gefühlen und Emotionen mitzuteilen. Ich erlebe leider all zu oft, dass die spezifischen, technischen Hürden des jeweiligen Werkes den Spieler zu sehr in deren Bewältigung bindet und dabei der zu transportierende musikalische Inhalt, verbunden mit dem Empfinden des Spielers, im Hintergrund bleibt.

Hornspielen ist für mich also ein weites und komplexes Feld und in erster Linie ein Ausdrucksmittel, mit dem ich den aufgeschlossenen Zuhörern auch Einblicke in meine Gefühlswelt gewähre.

AA: Ich stimme vollkommen zu! 2004 haben Sie den 2. Preis beim Wettbewerb Concours de Genève gewonnen. Ich kann mir vorstellen, dass die Vorbereitung eine ziemliche Aufgabe war. Wie ging das? Haben Sie Ratschläge für Hornisten, die sich auf Wettbewerbe vorbereiten? 

SS: In der Tat war die Vorbereitung neben meinen Orchesterjobs zu diesem Zeitpunkt keine leichte Aufgabe und hat nicht zuletzt auch Kompromisse bei der Auswahl des Programms erfordert.

Meine Sicht auf Wettbewerbe hat sich nicht nur aus der Sicht als Teilnehmer, sondern auch aus der Perspektive der Juroren verändert. Selbstverständlich braucht es eine Plattform, in welcher für alle die Möglichkeit besteht, sich der Öffentlichkeit zu präsentieren, um bei besonderer Eignung für den Musikmarkt entdeckt zu werden. Leider werden die Kandidaten zu oft durch schier unlösbare Programmvorgaben dazu gedrängt, Klangschönheit, musikalische Phantasie und emotionalen Ausdruck dem schieren Durchhalten zu opfern.

Musik ist kein Sport und sollte daher nicht in Höher - Schneller - Weiter gemessen werden!

AA: Wie hat sich Ihre Karriere danach verändert?

SS: Eigentlich hat sich nichts groß verändert. Ich bin bei den Bamberger Symphonikern geblieben und habe mich schließlich aus privaten Gründen beim RSO-Frankfurt (Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunks) beworben.

Einmal wurde ich im Nachgang des Wettbewerbs noch vom lˋOrchestre de Chambre de Genève zu einem Konzert eingeladen.

Ich denke, für die heutige Zeit bin ich medial einfach nicht präsent genug, und diese fehlende Werbung und Publicity hält mich defensiv im Hintergrund. Irgendwie ist das nicht mein Ding bzw. bin ich da vielleicht auch zu altmodisch und nicht Technik affin genug. Wer konkret nach mir sucht wird mich finden.

AA: Das ist eine unerwartete Antwort! Halten Sie Wettbewerbe für sinnvoll, um unsere Karriere voranzutreiben?

SS: Grundsätzlich ja! Ich wünsche mir allerdings von Musik-Wettbewerben, dass die Musik immer vor dem sportlichen Ehrgeiz steht! Ich erlebe zu oft, dass das geforderte Programm die jungen Künstler schier überfordert und es nur noch darum geht, wer den Anforderungsstress am besten aushält und am zuverlässigsten die Töne der Partitur liefert. Das ist in meinen Augen nicht der ideale Weg und hat sicher auch schon das ein oder andere Talent psychisch gebrochen.

AA: Sie sind Hornprofessor an der Musikhochschule Mannheim. Was denken Sie über den Unterricht?

SS: Seit über 10 Jahren unterrichte ich nun schon in Mannheim und ja - das Unterrichten ist eine wichtige Sache und nimmt uns in die Verantwortung, unseren Beitrag für zukünftige Generationen von Hornisten zu leisten. Gleichfalls den immer weiter steigenden Anforderungen der modernen Kompositionen gerecht zu werden, ohne dabei die „Alten Tugenden“ unseres als hoch romantisch entwickelten Ausdrunksinstrumentes Horn mit seinem großen farbreichen Klangspektum aufzugeben.

Allerdings ist das ausschließliche Unterrichten auch nicht immer einfach. Es kommen die Momente, in denen ich das eigene Spiel vermisse. Wenn zu lange die Nachfragen für adäquate Orchesteraushilfen, sowie nach solistischen- und kammermusikalischen Aufgaben ausbleiben, fällt es mir manchmal schwer, die nötige Inspiration für das Unterrichten aufzubringen. Die zurückliegende Pandemie war für mich jedenfalls in dieser Hinsicht keine leichte Zeit.

AA: Was ist Ihre Methode?

SS: Mit dem jeweiligen Studenten nach seinen spezifischen Ressourcen zu suchen, diese so zu entwickeln, dass sie ein Bewusstsein für den persönlichen Klang als Basis für ihre musikalische Ausdrucksfähigkeit entwickeln. Die stetig anliegende und fliessende Luft mit einem möglichst hohen Energiewert (Dichte, Intensität) bildet dafür die Grundlage. Ein möglichst weiter Mundraum mit viel Spielraum des Zungenrückens zur lockeren Modulation der Tonhöhen in Kombination eines in jeder Lage aktiven Ringmuskels mit stabil fixierter Unterlippe ist für mich dabei die Voraussetzung einer leichten flexiblen Technik. Die obere Lippe darf dabei maximal locker und frei nur von dem äusseren Ringmuskel gehalten schwingen.

Mein weiteres Bestreben ist es, den Studenten dabei zu helfen, ihre eigene musikalische Persönlichkeit zu finden. Dabei sehe ich mich bestenfalls nur noch als eine Art Supervisor.

Alles hier jetzt noch Weiterführende würde den Rahmen sprengen und ich belasse es bei dem Erwähnten.

AA: Ich stimme zu! Der Lehrer zeigt nur den Weg. Der Schüler muss selbst hinuntergehen. Wie haben Sie es geschafft, die Pandemie zu überstehen?

SS: Die Pandemie hat in meinen Augen, mit allem was daraus gemacht wurde, viel Menschlichkeit zerstört. Wir sind gespalten worden, sehr viele Menschen haben viel verloren. Das macht es schwer, darüber ganz offen zu reden.

Bis März 2020 habe ich neben meiner Professur sehr viel bei der Staatskapelle Berlin gespielt, das war sozusagen „mein Orchester“! Ich verbinde so viele unvergessliche musikalische Erlebnisse mit diesen Kollegen. Dies brach von heute auf morgen zu 100% weg. Ich habe auch sonst ab diesem Moment für etwa 1,5 Jahre nicht mehr gespielt. Ich war leer und wollte auch beim Unterrichten mein Instrument nicht mehr auspacken.

Ich habe versucht, mich trotz der einschränkenden Maßnahmen so gut es ging um meine Studenten zu kümmern. Ja, es war nicht leicht und einiges fast unmöglich!

Ab Oktober 2021 kamen dann vom Nationaltheater Mannheim Anfragen für Aushilfen im Orchester und ich habe begonnen, meine Ventile am Horn wieder beweglich zu machen. Aber das Spielen hat sich irgendwie anders angefühlt, mehr wie ein Hobby. Einfach zu Spielen, aus reiner Freude wieder Musik machen zu dürfen. Ich spürte keinen Druck mehr jemandem etwas beweisen zu müssen und empfand keinen Zwang mehr, erfolgreich sein zu müssen.

Die Staatskapelle vermisse ich trotzdem weiter!

AA: Ich freue mich zu hören, dass die Pandemie einen Lichtblick hatte! Du hast ein fantastisches Album mit den Konzerten von Franz und Richard Strauss aufgenommen. Warum haben Sie sich gerade für diese Stücke entschieden? 

SS: Wir, der Hessische Rundfunk, der Dirigent Sebastian Weigle, das Aufnahmelabel und ich haben zusammen beraten und diskutiert wie sich was als stimmiges Ganzes verkaufen lässt und haben uns auf diese Kombination, Strauss—Vater & Sohn, verständigt.

Vielleicht kommen ja in Zukunft noch weitere Anfragen zu solchen Produktionen und es entstehen dann neue Kombinationen mit mehr Überraschungspotential? Ich stehe jedenfalls für Solches aufgeschlossen bereit!

AA: Das ist eine gute Kombination! Wahrscheinlich die berühmteste Hornistenfamilie aller Zeiten. Ich freue mich auf weitere Aufnahmen von Ihnen! Was würden Sie in Zukunft gerne aufnehmen?

SS: Ich bin da wirklich allem gegenüber ganz aufgeschlossen und kann mir sehr vieles vorstellen einmal aufzunehmen.

Konzerte aller Epochen, aber auch genauso unsere zahlreichen Kammermusikwerke mit Klavier.

Aber auch hier darf ich erwähnen, dass ich nicht der aktive Typ bin mich zu vermarkten. Vielmehr hoffe ich, von Menschen gefunden zu werden, die mit mir etwas einspielen möchten.

Ich sende Grüße an die gesamte Hornwelt und hoffe, wir stärken weiter alles was uns verbindet und überwinden in Zukunft die uns noch voneinander trennenden Barrieren.

AA: Danke Samuel für das tolle Interview! Viel Glück bei allem!