哲学

才能または方法？

一部のプレーヤーは他のプレーヤーよりも上手にプレーします。 演奏能力の違いは、才能や仕事への意欲などの無形のものだけによるものなのか、それとも物理的なアプローチの違いによるものなのか。 「それを行う方法」のいくつかは、他の方法よりも多くの制御につながりますか？

金管楽器奏者に関連して指摘されたのと同じタイプの違いが、弦楽器、木管楽器、およびキーボード奏者で観察できます（アンブシュアなどの代わりに手首の位置を使用する場合）。 例は陸上競技にも見られます：ゴルフクラブを保持する方法やテニスラケットを振る方法についてのいくつかの考え方。

仕事を成し遂げるさまざまな方法のいくつかは、小さくて重要でない違いのように見えるかもしれません。 すべての方法が時々結果を生み出すように見え、どの方法も常に結果を生み出すことを保証できないという事実を考慮して、どの物理的方法を追求するかは本当に重要ですか？ 「仕事が終わっているのなら、私がそれをどのように行うかはどうでしょうか」と言う人もいるかもしれません。 真実は、これらの小さな違いのために仕事が終わらないことがよくあるということです。

それは重要な話の終わりです、そして悲しい真実は、彼らが正しい物理的なことをしていれば、何年も試みて失敗した多くの人が成功することができたということです。 才能の違いよりも「小さな違い」が、誰がエキスパートプレーヤーになり、誰が信頼できないプレーヤーであり続けるかを決定します。

正しい方法は何ですか？ 正しい方法、または少なくとも他の方法よりも優れた方法はありますか？


身体活動を正確に説明することは困難です。 歩くという単純な身体活動は、実際には、脳から神経系を通り、体のさまざまな部分の筋肉に至る、信じられないほど複雑な一連の命令です。 私たちは習慣的に上手に歩きますが、熟練していない俳優がステージをさりげなく歩こうとするのを見るだけで、自己意識によって習慣が乱されると、歩くことがどれほど複雑になるかを理解できます。 そういうわけで、音楽の先生は時々「そんなに考えないで、ただ遊んでください！」と言います。

多くの有名な名手は彼らの方法を説明することができません。 彼らは自分の知識を言葉で表現できるような方法で物理的アプローチを分析しなかったかもしれませんが、彼らは常に「知覚的に才能がある」ので、遊ぶことの物理的問題に対する最も論理的な解決策を常に認識して選択します。 比較すると「知覚障害」のある人は、分析してから、物理的に論理的な方法を慎重に選択する必要があります。 経験豊富で忍耐強い教師の助けは、そのような遊びの問題を解決する上で非常に価値があります。

物理的に最も論理的な遊び方は、筋肉を分離するのではなく、一緒にする方法です。 これが強さ、持久力、そしてコントロールの方法です。 筋肉は組織化された方法で一緒に行動する必要があります。 たとえば、開いた手とは対照的に、閉じた拳のより大きな力。 E PLURIBUS UNIM –多くの部品でできているXNUMXつのもの。

他のものと同じように、人は物に入れるものに比例して物から抜け出します。

ナチュラルプレイヤー

自然の簡単な定義は次のようになります：比較的短い期間できちんと遊ぶことを学ぶように見える人。 プロの選手の大部分は「ナチュラル」のカテゴリーに入れることができます。

「ナチュラルプレーヤー」という用語は、主に学習プロセスが行われる期間に適用されます。 学習期間中は、主にプレーヤーが急速に進歩するため自然と表現されるか、プレーヤーが少しでもゆっくりと前進しているように見え、おそらく「無能」と表現されますが、確かにそうではありません。自然として。

ノウサギはおなじみの物語のカメと比較されるので、自然な（速い学習）プレーヤーは才能のない（遅い学習）プレーヤーと比較されるかもしれません。 しかし、うさぎとの戦いに勝つカメとは異なり（物語の中でのみ）、楽器を演奏することを学ぶための競争は、ほとんどの場合、素早い学習者によって勝ち取られます-自然。 本来の意味での物語の教訓は、粘り強さ、忍耐力、そして善に目を留めることが常に最終的に勝つということです。 もちろん、実際のうさぎと本物のカメでその道徳を証明した人は誰もいません。

私たちの目的のために、道徳はほぼ逆転する可能性があります。 遅くて苦労している学習者は決してそれを成し遂げることはなく、自然なプレーヤーは常にレースに勝つと言っても過言ではありません。 動物のカテゴリーにもかかわらず、それは悲しいことに一般的に起こることです。 素早い学習者（自然な）がその希少性（ゆっくりと苦労している学習者であった同等の能力と芸術的なプレーヤー）と一致する場合、違いにすぐに気付くことができますか？ 番号！

クイックラーナーは本当に遊び方を学びますか、それとも単に遊びますか？ 彼が何をしているのかわからない場合、彼が何かを学び、彼が何をしているのかわからない場合、どうすれば彼が何を学んだかを知ることができますか？ 彼は他の誰かにそれを行う方法を教えることができますか？ 彼の先生は彼を助けたと彼に何と言いましたか？ 先生のアドバイスや情報がとても真実で有用であるなら、なぜ彼の他の生徒全員が同じように速い結果を示さないのですか？

彼ら全員が最初から良かったし、おそらく単に経験が不足していて、バランスの取れた音楽的に刺激的な雰囲気に十分にさらされていれば、良いプレーヤーを見つけることは素晴らしいことではありません。 ニューヨークヤンキースのマネージャーは素晴らしい選手を作りますか、それとも（ヤンキーの富と名声に魅了された）素晴らしい選手がチームを作り、それゆえマネージャーは素晴らしいように見えますか？

私たち教師が生徒として自然を手に入れたいと願っているのなら、実際に人々に遊びを教えることができないことを認めているのではないでしょうか。 「今年、生徒の中に才能がXNUMXつ（または複数）ない」という教師の典型的な不満は、悪いプレーヤーに彼らを変える真実を教える方法についての同じ知識の欠如を認めるものではありません。良い選手？

残念ながら、楽器を演奏するように人々に教えることは、正確な科学ではありません。 歴史、理論、レパートリー、美学など、最も「音楽について」を学ぶ音楽学生は、非常に多くの場合、最悪の演奏者です。 そして、楽器に本当に熟練する人は、音楽のあらゆる学問分野の貧しい学生であることがよくあります。

自然に戻る。 彼は何をしているので、うまくいきますか？ 遅い学習者は、自然の動きを観察することで得ることができますか？ 同一の物理的機器を考えると、なぜあるものが別のものよりもはるかに優れているのですか？ 問題は肉体的、精神的ですか、それともおそらく知覚と協調の問題ですか？ 遅い学習者から平均的な学習者は、速い学習者と比較して、知覚的に障害があると言われるかもしれません。

自然は、そのような望ましい結果を生み出すために、特定の身体的努力をXNUMXつの明白な方法で組み合わせて調整する必要があることをほぼ同時に認識します（彼にはすぐに明白です）。 重要なのは、それは彼にとってのみ明白であり、非自然なプレイヤーにとっては明白ではないだけでなく、あいまいであるということです。 不自然なプレイヤーは、準備ができた解決策を認識せず、自分にとって本当に正しいものを見つけることを期待して、あらゆる可能なプレイ方法を試すという長い困難な道のりで苦労します。 努力はしばしば非常に強気になり、混乱が非常に大きくなり、彼はもはや悪いものと良いもの、または正しいものと間違ったものを区別することさえできなくなり、したがって彼が熱心に探している正しい演奏作品への非常に手がかりを通り過ぎることがよくあります。 彼は本当に何が起こっているのかについての彼の認識に障害があると言われるかもしれません。

教師の本当の仕事は、この知覚障害のあるプレーヤーに遊び方を教えること、そして彼が自然のプレーヤーと同等かそれを超えるように、関係するメカニズムを非常によく理解して（非常に多くの知覚で）上手にプレーすることです。

もちろん、自然なプレーヤーはXNUMXつだけではありません。 彼は、特定の問題でのみ、望ましい結果に向けて調整する方法を明確に認識している場合があります。 彼は他のいくつかの問題（おそらくタンギング、イントネーションなど）に関する認識の欠如に悩まされている可能性があります。 遅い、一見才能のないプレイヤーは、いくつかの問題を解決するのに熟練し、この経験とスキルを残りの問題の解決に適用できるため、自然なプレイヤーを上回っていると考えられます。

チャイコフスキーの5回目のソロのXNUMX人の異なるプレーヤーによるXNUMXつのパフォーマンスのうち、比較されるのはトーン、正確さ、フレージング、ダイナミクス、セキュリティなどです。どちらかのプレーヤーの愚かなパルチザンだけが「はい、しかし、あなたのヒーローがプレイするのにXNUMX年かかりました。 私のヒーローはXNUMX年でそれを上手くプレイできるでしょう。」 または、私の男が緊張しないか、ウォーミングアップに時間がかかりすぎるか、さらに悪いことに、あなたの男はシュトラウスホーン協奏曲を演奏できません。

私たちが行う通常の物理的なことのほとんどは、いかなる種類の批判的分析も受けていません。 歩くことや話すことのような一見単​​純なことは、実際には肉体的および精神的な努力と徐々に習得したスキルの信じられないほどの組み合わせの結果です。 感情は、たとえば、私たちが公演者として舞台で行うときのように、これらの一見単純な行為にも関与します。 すると、不安や緊張が突然、以前は単純で自然だった行動を困難で不自然な行動に変えます。 「何が起こっているのか」を分析しようとすると、徐々に習得したスキルの自然な連続フローが妨げられるため、通常はパフォーマンスが低下します。 それでも、演奏をある程度改善したい場合は、何が起こっているのかを正確に分析する必要があります。 理解して再構築するために、自然の流れを完全に破壊し、「分解」しなければならない場合があります。

これが、多くの弱点を持つプレーヤーが、比較的上手にプレーしている可能性のあるプレーヤーの非分析的アプローチを模倣しようとするのが愚かである理由のXNUMXつです。 理論を忘れるというアドバイスは、基本的な弱点が多すぎるプレイヤーには効果がありません。

ハードワーク

楽器を上手に演奏する秘訣は、ハードワークが必要なことかもしれません。 このハードワークがなければ、理論化の量は役に立ちません。 実際、遊び方についての理論は、善よりも害を及ぼす可能性があることがよくあります。 これは、学生が仕事よりも理論的に始める場合に特に当てはまります。 したがって、優れた教師とは、生徒に多くの仕事を要求し、その仕事を成し遂げることを主張する教師です。

他の秘密のいくつか（どれも本当に秘密ではありません）は、学生が忍耐、勇気、そして決意を持っていなければならないということです。 彼は良い音楽の目標を持っている必要があります。それは、多くの異なるパフォーマーを含む多くの良い音楽を聴くと自然に発達します。 プレーヤーを開発するのに苦労することに代わるものがないのと同じように、ミュージシャンシップを開発するために聞くことに代わるものはありません。

しかし、理論よりも仕事の方が重要だと言っても、理論が完全になくなるわけではありません。 同様に、話しすぎる指揮者は一般的にあまり良くないと言うことができます。これは、指揮者がまったく話すべきではないという意味ではありません。 学生が多くのことを練習しているが、物理的な観点から多くの間違ったことをしている場合、彼はおそらく何時間も何年もの努力にもかかわらず、失敗して欲求不満になってしまうでしょう。

金管楽器奏者のために数多くの優れた練習曲や楽曲が書かれており、さらに多くの曲が書かれる予定です。 これらすべてが、プレイヤーが定期的かつ断固とした規律ある方法で使用する必要のある基本的な資料を提供します。 ハードワークとは、この音楽素材をマスターするのに費やした時間を直接指します。

しかし、生徒がすべての仕事の恩恵を享受するためには、間違ったことよりも正しいことをしなければなりません。 アイデアは、エチュードや楽曲の日々の作業の前提条件と見なされるべきです。 それらはウォームアップ素材のカテゴリにあります。 それらは、それ自体で作業を必要とするウォーミングアップルーチンであり、遊びの理論に基づいています。 言い換えれば、それらは正しいものを開発するように設計されています。

何年も前、私の最初のホーンの先生は、バルブを変えずにいくつかの半音階の数字で構成される低音のパターンを演奏させることからレッスンを始めていました。 その背後にある理由は説明されておらず、私たちは徐々にアイデアを中止しました。 近年、私は多くのトランペット奏者が極端なペダルトーンで同様のアイデアを実践し、続いて極端な高音域を開発しようとするのを見てきました。 極端に低い後に極端に高いというこのアプローチは、多くの場合、非常に成功することが証明されています。

パターン自体は、そのような理論を提供しません。 Arban、Schlossberg、Clarkなどの本に示されているパターンについても同じことが言えます。 練習用に提示された書面（通常はウォームアップスタイルのパターン）は、パターンの背後にある理論の説明を提供していません。

パターンの背後にある理由を理解することは、学生にとって価値があると感じています。 例：なぜペダルトーンを演奏するのですか？ それらはどのように実践されるべきですか？ それらは高音とどのように関連していますか？

肉体的努力

楽器を演奏することは、特定の目標の達成に向けられた肉体労働、肉体労働の一形態です。 この意味で、それは本質的に他の形態の肉体労働と何ら変わりはありません。 すべての労働者のように、ミュージシャンは特定の目標を達成するために力を加えています。

非熟練労働者の具体的な目標は、熟練労働者の目標とは明らかに異なり、すぐに明らかになります。 未熟練労働者は一般に、より単純な目標を達成するためにより多くの力を使用すると考えられています。 逆に、熟練労働者は、より複雑な目標を達成するために、より少ない力を使用します。 楽器は、プレイヤーの肉体的な努力から生じる音を発する装置にすぎません。 おそらく、私たちミュージシャンは私たちの作品を非常に熟練した（脳の）ものと見なし、力の存在を無視したり、大幅に過小評価したりする傾向があるため、異なる点ではなく類似した点を強調することがより重要ですすべての音楽制作。

根本的に、問題は、制御された力をどのように達成するかということであり、常に残っています。 このように問題を述べると、楽器を演奏することに無計画に取り組む必要がないことがわかります。 力を制御する一般的な問題は、機械工学とは何かということであり、その分野の原則の多くは、私たちの仕事に直接当てはまります。 基本的な機械理論は、運動と方向の変化、慣性、抵抗、圧縮とエネルギー、力、運動量の蓄積などの研究に関係しています。

私たちは自分の体を私たちの知性によって導かれる機械と考えるのがよいでしょう。 人は高度な身体的スキルを持っていると言うとき、私たちはその人が彼の知恵で彼の力を和らげる方法を発見したと言っています。 彼は自分の物理的な力を使って自分で設定した目標を達成する方法を発見しました。 人の身体的スキルが低いと言っても、必ずしも身体的に弱い、または知性が低いという意味ではありません。 私たちが言っているのは、問題の人は自分の力を知恵で和らげる方法を発見していないということです。

概して、私たち全員が、非常に若い、非常に古い、そして病気の人を除外すれば、楽器を演奏するのに十分な力を持っています。 私たちのほとんどはまた、知性の観点から、その強さを制御し、指示する可能性を秘めています。

プレイヤーは力を生み出して蓄えることができなければならず、その力を知的な目的に向けて適用または向けることができなければなりません。 私たちは体力を使ってアイデアを実行します。
音楽とスポーツの比較は適切です。なぜなら、音楽と陸上競技の両方で、パフォーマーは身体的スキル（指示された強さ）を発達させる必要があります。

体力と物理的知性の領域

心それ自体は、私たちがそれを思考、決定、検討、拒絶、選択、または仕事として望んでいる機能と見なすことができない限り、私たちのために私たちの仕事をしません。

「仕事」とは、心が選んだ目標を達成するために必要な肉体的な努力を意味します。 例として、ページをめくりたい場合、それは機能しています。 しかし、心はそのページをめくることができません。 心は体に仕事をするように伝え、驚くほど複雑でありながら楽な一連の協調的な身体的努力が仕事をするために続きます。 ケースを述べる簡単な方法は、心は体の仕事をすることができないと言うことです。

楽器を演奏することは肉体労働の一形態であり、他の形態の肉体労働と本質的に違いはありません。 しかし、あらゆる形態の肉体労働と同様に、楽器を演奏するには、それ自体の特定の指示された努力が必要です。

身体の知性には階層があります。 脳はもちろん階層の最上位にありますが、体全体にヘルパーがいます。 彼らを「インテリジェンスエージェント」と呼ぶことができます。 事実上、体のある部分は他の部分よりも賢いと言うこともできます。

体のよりスマートな部分はどれですか？ 私たちの目的のために、要点を説明するために提案する必要があるのはほんのわずかです。 私たちは、不利益に思われることなく、私たちの指がつま先よりも賢いことに同意することができます。 確かに、私たちの指は膝蓋骨よりも賢く、腕は足よりも賢いということに完全に同意するでしょう。

単純な行為とは、このプロセスが次のような行為です。欲望->コマンド->力（特定のコマンドに必要な物理的強度）->ローカルインテリジェンスエージェント->成功。 私たちは失敗する行為を困難と呼びます。

唇は間違いなく体のよりインテリジェントな領域のXNUMXつです。 指や目のカテゴリーではありませんが、唇は脳からのさまざまな命令（口笛、話し、笑顔など）に従うことに慣れています。 したがって、唇は（圧縮を作成することによって）空気の単純な放出をインテリジェントに処理および制御できるだけでなく、魔法の方法で（優れた賢さまたは強力な方法を使用して）実際に自分自身と空気を変えることができると結論付けるのは論理的です。金管楽器の全範囲にわたって音符を生成するためにそれらの間を通過する、時には長いまたは高速で移動する音符、半音階または非常に離れた音符、大きな音、柔らかい音、レガート、またはスタッカート。

もちろん、これはすべて非論理的です。 それでも、唇の知性を誇張するので、陥りやすい罠です。

ミュージシャンは、演奏の問題に分析的なアプローチをもたらさないことがよくあります。これは、音楽が直感的で表現力豊かな芸術であるという事実を考えると、理解でき、自然なことですらあります。 私たちのほとんどが音楽に対して感じる最初の、最も強く、そして最も永続的な魅力は、音楽の意味と美しさに対して私たちが感じる個人的な反応です。 この個人的で感情的な反応は、ミュージシャンにとって必要な前提条件です。

自分のプレーシステムを単に実行可能なシステムからより正確でリラックスしたシステムに変えようとするためには、自分のプレーの限界を正直に評価しなければなりません。 「何ができないの？」と自問してみてください。 「私に何ができるの？」ではなく

演奏：理論と実践

もちろん、発達した知性と音楽的理解は主要な前提条件です。 高い基準、勇気、そして忍耐が重要です。 しかし、実際の音、つまり音自体は、最終的には物理的な手段によって生成されます。 誰も可聴の存在へのメモを考えたことがありません。 ノートの考えや概念が最初に来るべきであり、それは音を生み出す身体活動を導くべきです。 コンセプト、筋肉、そして反応の良い楽器が連携して芸術的な結果を生み出します。

正しいウォームアップは、プレーヤーが音楽をうまく演奏するか、それをうまく学び始める準備をする必要があります。 この定義は、プレーヤーが曲の学習または演奏のいずれかに成功することを望む場合、（例外を除いて）正しいウォームアップがほとんど必要であることを意味します。

作品を学ぶプロセスは、それを実行する経験とまったく同じではありません。 一般的に言って、私たちは学んだことを実行することができます。 学習の質は、パフォーマンスの質に反映されます。 そのため、パフォーマンスは学習の真のテストであり続けます。 それはまた、試験が試験に先立つ研究と準備の質の真のテストであり続ける理由でもあります。 これはどの分野にも当てはまります。

音楽では、成功した演奏の失敗よりも、作品の成功した学習の失敗の数が多くなります。 この数値の違いの明らかな理由は、ほとんどのプレーヤーが、プライベートでの学習に成功していない作品をパブリックで演奏しようとしないことです。 文字通り何千人ものプレーヤーが曲をマスターしようとしますが、他の人よりも先に、特に差別的な聴衆の前でその曲を演奏できるほど十分に成功したプレーヤーは比較的少数です。

音楽学校の学位プログラムの要件は、学生が材料を習得したかどうかにかかわらず、学生が各学期に試験を行い、最後にソロリサイタルを行うことを要求します。 それが学習の唯一の真のテストであるため、これはすべてあるべき姿です。 それは、なぜそのような試験が学生と教師に同様にしばしば苦痛であるかを説明します。 しかし、現実の世界では、新卒者が自分自身や聴衆を、彼が本当に学ぶことに成功していない音楽の演奏にさらすことはめったにありません。

上記のすべての意味は、学習を成功させるための正しい方法と間違った方法があるということです。 その意味するところは、正しい方法が学習の成功につながり、したがってパフォーマンスの成功につながるということです。 その結果、間違った方法は失敗や欲求不満につながります。 かなりの期間音楽ビジネスに携わってきた人なら誰でも、良いパフォーマーになるという夢の欲求不満の追求に何時間も何年も費やしてきた多くの個人を知っています。 ほぼマニアックな粘り強さで働き、真の努力を費やしたが、目標を達成できなかった人々。 これらの失敗を説明するための便利なキャッチフレーズは、これらは才能のない個人であると言うことです。 よく使われるもうXNUMXつのフレーズは、「ある人はそれを持っている」と「ある人は持っていない」というものです。 これらの特徴づけには、いくらかの真実が含まれているだけでなく、多くの真実が含まれていないと思います。 これらは、さらに検討する価値のある概念です。

私の目的のために、私はほとんどの人（そして確かにほとんどの音楽学生）がうまく学ぶ可能性があり、したがってうまくいく可能性があるという仮定に基づいて進めたいと思います。

進行状況と演奏能力は、正確かつ正確に測定およびテストする必要があります。 基本的な演奏の問題がまだ解決されていない場合、そうしようとする試みはばかげているように見えます。 それらが価値を提供する場合、それは問題が未解決であることを明らかにしているということです。 したがって、そのような状態のプレーヤーは、そのような試験材料を練習しようとして時間を無駄にすべきではありません。 遊ぶというパズルの解決に全時間と労力を費やす必要があります。 もちろん、これは音符パターンも使用します。これは、偶然にテストパターン（スケール、XNUMX分のXNUMX、研究など）と一致する可能性があります。 しかし、練習の推進力はまったく異なります。 プレーヤーが実際に正しい軌道に乗っている場合にのみ、テストパターンが意味をなします。 そしてその時点で、それらは非常に理にかなっています。

答えを探しています

答えを探す。 先生の助けを借りて若いとき; 年をとったとき、通常は私たち自身で。 生徒たちはすぐに、最高の選手や教師でさえまだ答えを探していることに気づきます。

答えのいくつかは決して見つかりません。 すべての答えを知っている教師は、成功したプレーヤーだけを生み出すことは明らかです。 彼は世界中の学生や専門家に圧倒されるでしょう。 現在のところ、そのような教師は存在しません。

答えを探している間だけ、経験豊富で知的な助けを得ることを望むことができます。 感情は次のようなものでなければなりません：これらのページのどこかに真実があります。 今、私はそれを探さなければなりません。 これはどんな芸術形式にも当てはまります。

前提は、それぞれが可能な限り完璧に習得された一連の別々の音符を取り、それらを組み合わせて、研究、協奏曲、またはオーケストラのパッセージなど、印刷されたページの音楽を作成することです。まだ完璧に演奏されているわけではありませんが、完璧に近づく可能性があります。

このアプローチは、個々の音符のそれぞれを洗練しようとせずに、再生される音楽の全体を組み合わせて作業するアプローチよりも、成功する可能性が高くなります。

できれば：

• 正確性、セキュリティ、自信を持っている
• すべてのレジスタで大音量と小音量で再生
• さまざまな速度とさまざまなボリュームでレジスタを変更します
• 時間内にスラーを再生する
• 一般的に時間の配置を制御します

それならこの本は必要ありません！


忍耐、ハードワーク、そして少しの実験は、プレイヤーをより良い、より直接的なやり方に導くことができます。 一例として、プロゴルファーがより効率的なスイングを見つけるために常に努力している方法を想像することができます。 モーションが効率的であるほど、結果の信頼性が高まります。 ホーンを演奏することは、学ぶことができる非常に物理的なプロセスです！

この本が「悪い日」に読み直して参照できるものになり、重要なことが無視されていることをプレイヤーに思い出させるのに役立つことを願っています。

自信


今日の唇と風がどのようになっているのかを「感じる」ことで知ること、そして唇の形が悪い場合に十分に改善するためにそれらをどうするかを知ることがより重要です。 これは、昨日よくプレーしたことを思い出すよりも重要なので、できることはわかっています。 そのような考え方は、人為的に自信を高める試みにすぎません。

必要な材料の状態を判断する方法を学んだときに、本当の自信が生まれます。 あなたがステージにいるとき、あなたが通常それを作るのに十分にそれらを持って来ることができることを知っています。 入り口ごとに、正しくプレイする準備ができていると感じるはずです。 昨日、あるいは今朝もプレーする準備ができていると感じたが、今はパフォーマンスの真っ最中だということを思い出すだけでは十分ではありません。

したがって、ホーンプレーヤーにとって賢明なテストは、ホーンの全範囲をどれだけ速く回転できるかではなく、どれだけ確実かつ予測どおりに演奏できるかということです。 より具体的に言えば、彼は自分の演奏能力にどれほど安心感を持っているか。

戦闘に必要な物理的な力に触れることで得られる安心感を持って、パフォーマンスの瞬間にたどり着くように努めるべきです。

イントネーションを教える

人々は調子を合わせて演奏するように教えることができますか？ イントネーションが悪いときに誰が非難されるのですか？ 「どうしようもなく調子が悪い」人たちに希望はありますか？

イントネーション（調子を合わせて演奏または歌う）は、多くの場合、苦痛で恥ずかしい主題です。 それは、通常は避けられる、またはせいぜい丁寧な会社で慎重な繊細さで簡単に触れられる主題のXNUMXつです。

ミュージシャンの間では、誰もがイントネーションについて心配していますが、誰もそれについて何もしていません（マーク・トウェインを言い換えると）。 イントネーションを改善することが重要であることは誰もが知っていますが、それをどうやって行うかはよくわかりません。 それはとても単純であり、問​​題への答えは正直な自己評価と忍耐強い仕事を必要とするので、答えは避けられます。

イントネーションの制御は、他の有能なプレーヤーや歌手によってさえも学習されないままになっていることがよくあります。 すべてまたはほとんどの音符を（速度に関係なく）生成することができ、リズムと音量を適切に制御できる（時にはエキサイティングな演奏をする）が、調子が合わない人を聞いたことがあるでしょう。

イントネーションの制御は、おそらく教えるのが最も難しいことのXNUMXつです。 実際のところ、それはめったに教えられません。 調子を合わせて演奏する人々は、一般的にそれをするように自分自身に教えます。 彼らは他のパフォーマーや自分自身に耳を傾けることによって学びます。 彼らは思考から学びます。 彼らは理解や知覚から学びます。 彼らは比較することによって学びます。

イントネーションの質問に対する答えは、最初に自分と調和して演奏することです。 自分と調和して演奏する人は、他の人と調和して演奏することができます。 同じ概念は、時間内に演奏することについても当てはまります。

「自分と調和する」とはどういう意味ですか？ それは単にあなたのノートのそれぞれをあなた自身のスケールの他のものに合わせようとすることを意味するのではありません。 それは、あなたが考えている、または考えるべきであるその精神的なピッチに合わせるという意味です。

調子を合わせて演奏することは、最終的には完全な機械的制御に依存します。 つまり、楽器にあなたがやりたいことをさせることができます。 知的な練習では、プレーヤーは自分が何を望んでいるか、自分の目標を知っており、基準を持っています。 彼が望むことを達成することができるとき、彼が彼の目標を達成することができるとき、そして彼が彼自身の基準を満たすことができるとき、彼はコントロールを獲得したと言われるかもしれません。 もちろん、コントロールのために働き始める前に、基準を持っている必要があり、自分が何を望んでいるのかを本当に知っている必要があります。 これを特にイントネーションに適用するには、プレーヤーは最初に、作成したい音の正確なピッチを知っている必要があります。 音符の名前だけでなく、頭と精神的な耳の正確な位置。 それは、画家が自分が望むまたは必要とする色の正確な色合いを取得しようとしているようなものです。

この時点で、プレーヤーは、自分がどのように聞こえたいか、イントネーション、リズム、ダイナミクス、トーンなどに関する目標を理解する前に、機械制御の作業に忙しいと感じています。この種の練習のようなものは、頭を切り落として走っている鶏のようなものです。 それがどこに向かっているのかを知ることは決してなく、どこにも行き着くことはありません。 特にイントネーションに戻るには、演奏しようとする前に、音符の明確な精神的声明が聞こえます。 あなたはあなたの頭の中でそれを聞く必要があります。 この精神的な声明なしで進むことは不正直で無駄です。 精神的なイメージを目標と基準として、楽器で同じ音符を演奏し、音符を比較します。これは、その物理的なコピーに対する精神的な発明です。

本当のメモは静かな精神的なものです。 心が考えている、または聞いているという内面のメモ。 心は常にどの楽器よりも調和しています。 聞いているメモをコピーします。 それをコピーするように努力してください、そしてあなたが努力するにつれて、あなたは最初にあなた自身にそして次に他の人にチューニングすることを学ぶでしょう。 近道はなく、内聴に代わるものもありません。 他の誰もあなたのために聞くことができません。

学生は彼がプロと同じように調子を合わせてプレーできることを望んでいます。 彼は、最終的にその問題を解決したことについて、彼は幸せになるだろうと考えています。 しかし、明らかに学生より優れている専門家は、彼自身のイントネーションによって常に幸せになるとは限りません。 イントネーションは、彼が作成するピッチを担当する楽器奏者または歌手にとって常に存在する問題です。 これには、ピアノ、オルガン、またはチューニングされていない打楽器を演奏するプレーヤーを除くすべてのプレーヤーが含まれます。

調子外れの問題に集中的に攻撃するための最も緊急の場所は、学生レベルです。 これは、問題がそのレベルでしばしば深刻であるだけでなく、学生レベルでイントネーション制御をうまく教えることが将来の専門家レベルを向上させる唯一の方法であるために当てはまります。

イントネーションを判断して意見を述べることがよくあります。 それは良いか悪いか、あるいはあなたは鋭いかあなたは平らです。 しかし、直接直面する重要な問題になることはめったになく、イントネーションの練習方法を学生にアドバイスされることもめったにありません。

第一に、問題に正直に立ち向かうことが重要です。 敷物の下でそれを掃除することは助けにはなりません。 次に、問題の個々の性質を認識することが重要です。 プレイする前に、希望のピッチを聞く必要があります。 メンタルピッチと生成されたピッチを比較するのに時間や手間をかけなければなりません。

聞くことは聞くこととまったく同じではありません。 聴覚は主に感覚機能です。 聞くことは知的努力です。 私たちのほとんどは聞くことができますが、聞く人はほとんどいません。 聞くことは考え、比較することです。 ステップXNUMXは、耳を傾け、熱心に耳を傾け、探求的に耳を傾け、そしてたゆまず耳を傾けることです。

私たちのほとんどは、私たち自身よりも他の誰かの演奏を上手に聞きます。 自分のパフォーマンスを気にしないときは、客観的であり続け（考え、聞くことができる）、落ち着くことが容易になります。 一部のプレーヤーは自分自身に耳を傾けることはなく、反対に、一部のプレーヤーは、音符を見逃したかどうかを知るのに十分なだけ自分自身を聞きます。 リスニング自体の質も重要です。 自分の言うことを聞くだけでは十分ではありません。 批判的に耳を傾ける必要があります。

私たちが熟練したリスナーになったときだけ、私たちは基本的な演奏の弱点を修正して改善することを望むことができます。 演奏しながら自分自身に批判的に耳を傾けることができるときだけ、私たちはアマチュア主義とプロフェッショナリズムの間、プロフェッショナリズムと芸術性の間のギャップを埋め始めることができます。