Fare scelte fisiche corrette ogni giorno

Comprendi il più possibile sui principi del controllo muscolare e sul modo in cui i muscoli lavorano insieme. Cerca di sapere esattamente cosa stai facendo (increspatura, tensione, pressione del boccaglio). Prestare attenzione agli standard di prestazione. Le note parlano subito? Riesci a suonare sia molto forte che molto piano? Riesci a controllare l'intonazione? Gli attacchi e gli insulti si sentono e suonano completamente sicuri?

Ci viene sempre presentata una scelta nel nostro modo di colpire le note. Stiamo esaminando qui non tanto le note stesse, ma i mezzi fisici utilizzati per far suonare la nota. Abbiamo una scelta di questi mezzi fisici. Sono coinvolti molti muscoli e anche molti ingredienti. I muscoli delle labbra e delle guance tirano, spingono o sostengono. I muscoli del diaframma, dell'addome e del torace lavorano in direzioni diverse, con l'obiettivo combinato di supportare il flusso d'aria. I muscoli della mascella si muovono per rendere l'interno della bocca più grande o più piccolo per le note basse e alte. La lingua deve essere considerata. L'aria invisibile stessa è un ingrediente estremamente importante.

La natura di ogni pratica è quella di preparare uno per essere in grado di eseguire. Lo scopo di tutta la pratica è quello di prepararsi per una performance migliore. Pertanto la pratica può essere descritta come di natura preparatoria. Credo che la pratica dovrebbe essere divisa in sezioni.

1. Come la ginnastica ritmica, il riscaldamento, durante il quale si dà consapevolmente enfasi al corretto utilizzo muscolare (diaframma e muscoli facciali).
2. Più simile a una vera esibizione in quanto il musicista usa i muscoli riscaldati e istruiti per mettere insieme studi, studi, brani, assoli, ecc.

Questa sequenza imita la situazione di e prima della performance effettiva; vale a dire, riscaldarsi e poi eseguire.

Colpire le note giuste

Cosa ci vuole per colpire le note giuste? Perché le note "facili" vengono così spesso perse?

C'è un modo giusto, almeno un modo migliore. E l'esercitazione che consiste nell'osservare solo la nota giusta, invece del modo giusto di fare la nota, è alla lunga pratica dispendiosa e ingannevole. È superficiale esaminare solo la nota stessa e non esaminare il metodo di produzione. Una nota che suona sicura se ascoltata casualmente potrebbe non sembrare sicura e in effetti potrebbe non esserlo. Se la pratica non porta a quella sensazione di sicurezza, il giocatore inviterà il disastro durante l'esibizione.

Ne consegue quindi che durante la pratica il musicista non dovrebbe semplicemente cercare di colpire le note giuste, ma dovrebbe cercare di imparare il modo migliore per suonarle in modo che siano affidabili. È vero infatti che solo quando quella via viene trovata e sviluppata le banconote diventano sicure e affidabili.

Troppi musicisti producono note in modo fisicamente poco saggio. Non si rendono conto della precarietà della loro situazione perché mentre si esercitano giudicano solo per vedere se colpiscono o mancano note. Colpire la nota è la prova che si stanno avvicinando correttamente allo strumento e stanno facendo sforzi fisici logici. Farebbero molto meglio a sviluppare un sistema di esecuzione corretto anche se durante lo sviluppo perdono temporaneamente più note.

Una corretta procedura, un corretto approccio fisico porta a buoni risultati in tutte le direzioni, non solo in alcune direzioni. Potrebbe non portare a un miglioramento spettacolare e improvviso in una direzione specifica come l'aggiunta di diverse note al registro acuto (come potrebbe essere un altro approccio), ma porta a un'immagine totale uniformemente eccellente della qualità.

La pratica dovrebbe essere un momento in cui non stai cercando di vedere quante note riesci a colpire in un'ora. Piuttosto, è un momento durante il quale dovresti prepararti per essere in grado di suonare le note più tardi quando ti viene chiesto di farlo. Suonare il concerto nella stanza di riscaldamento non è il modo per assicurarti di farlo bene sul palco. La pratica dovrebbe prepararti per le esigenze di una performance. La pratica non è, di per sé, una performance.

Procedura pratica

• Intonazione, toni lunghi, arpeggi, terze legate, ecc.
• Apri la gola per ff suonare (con le labbra rilassate)
• Capire se la lingua veloce o la lingua in generale tende a chiudere la gola

Una certa quantità di suonare ad alto volume con la gola aperta, il supporto del diaframma, oltre a ripetute linguette delle singole note dovrebbero trovare l'imboccatura migliore e più naturale.

Quando la gola è chiusa, la vibrazione a volte viene interrotta involontariamente. Il giocatore nel tentativo di continuare la vibrazione tenta di forzare le labbra strettamente insieme. Un risultato finale può essere che la gola è troppo chiusa per consentire il passaggio dell'aria e le labbra sono troppo tese e serrate per consentire una vibrazione sostenuta.

La gola inizia a provare a suonare le note alte. La gola può rimanere rilassata con i muscoli dello stomaco e il diaframma tesi? Si può scorrere tutto intorno al clacson, su e giù, senza apportare alcun cambiamento evidente alle labbra. Ma questa è una procedura stupida. Oo scendendo verso Ee salendo, anche se l'Ee in salita sarà in grado di produrre suoni in discesa.

Sono buoni gli studi che si basano su assoli ben noti e difficili usando solo due note consecutive alla volta (poi tre, ecc.) In modo che la fonte dell'assolo sia completamente irriconoscibile e all'improvviso sorprenda apparendo in forma originale.

Vale la pena dedicare qualche minuto in più durante il riscaldamento per far sentire le labbra a posto, per sentirsi riscaldate, non per seguire solo lentamente una routine e battere la maggior parte delle note se le labbra si sentono reattive e vigili o non. Padroneggiare la comprensione e il controllo dei denti, dei movimenti della mascella, delle dimensioni della bocca - e anche padroneggiare la vigilanza di labbra e guance - significa padroneggiare tecnicamente il corno. Le labbra devono mantenere la loro tensione per cooperare negli sforzi della mascella per chiudersi per le note alte e anche (forse meno) per aprirsi per le note basse.

La prontezza del labiale e persino la velocità di una legatura si praticano meglio su note separate. La vigilanza delle labbra è estremamente rapida. Gli attacchi di breve pausa sono un ottimo modo per far restare le labbra sveglie e provare. Questo insieme ai corretti cambiamenti nella dimensione della cavità orale è la combinazione corretta.

“Qualcosa” deve essere ripetuto ancora e ancora, sempre alla ricerca della perfezione. Ma qual è esattamente il “qualcosa” da praticare?

Cose da osservare e da praticare

• Spinta diaframma
• Movimenti della mandibola per cambio registro
• Allerta dei muscoli delle labbra e delle guance

Uno sta suonando con un labbro che ha allertato la forma della nota oppure non lo è. Il labbro non può essere contemporaneamente vigile e addormentato. Il labbro raramente mantiene a lungo la sua vigilanza, specialmente nei primi minuti di gioco quotidiano.

Il musicista dovrebbe suonare note che sono lunghe solo quanto l'intervallo di attenzione. Ciò significa che all'inizio non ci sono legature, toni lunghi o anche note suonate consecutivamente, ma molte note brevi ripetute per prendere il posto dei toni lunghi. L'attacco iniziale dovrebbe essere il momento di grande vigilanza. Non lasciare che la prontezza muscolare si abbassi; tuttavia, il suono completo è più importante che la nota sia estremamente breve. La nota dovrebbe durare abbastanza a lungo da permettere ai muscoli di provare un po'. L'intervallo di tempo viene gradualmente allungato per includere toni lunghi, legature e pezzi interi. La vera resistenza si costruisce in questo modo e non giocando molto su un labbro non vigile.

Uno dei modi più semplici per esaminare il valore della pratica delle note separate è che le labbra dovrebbero apprendere i requisiti separati per ciascuna nota e quindi sforzarsi di copiare esattamente gli stessi sforzi nelle note combinate.

Ricorda che gli inizi quotidiani non sono solo per i cosiddetti principianti; sono gli inizi quotidiani anche per giocatori avanzati e professionisti. Siamo tutti principianti quando iniziamo ogni giorno, ma il giocatore esperto impara di nuovo in trenta minuti ciò che il principiante inesperto impiega mesi e anni per imparare.

Inizia con una nota e rimani con essa per un po'. Gioca molte volte. Cerca di farlo sembrare sicuro, pieno, puntuale e sotto controllo. Suonalo in uno schema costante di nota, pausa, nota, pausa. Parla subito? Prova a suonarlo un po' più forte finché non diventa abbastanza forte. Ora un po' più morbido ogni volta. Non così piano come puoi suonare, ma un po' più piano ogni volta finché all'improvviso non sarà più morbido che puoi suonare.

Il riscaldamento è la parte più importante della tua pratica quotidiana. L'obiettivo è far familiarizzare tutti gli ingredienti fisici con il loro lavoro nella produzione di ogni singola nota quando viene suonata con un tono forte e controllato. Hai la possibilità di procedere su tutta la gamma dello strumento, suonando studi, ad esempio, prima che l'obiettivo sia raggiunto. Questo è il primo passo. Il resto segue logicamente.

Il prossimo è combinare le note in schemi (sia in lingua che in legato), suonando lentamente o velocemente, a voce alta o dolce, o in modo connesso o con un ampio salto. Tutti questi passaggi possono essere realizzati quando viene preparata una base sicura di note forti e separate. Anche nel pattinaggio sul ghiaccio o in bicicletta, in cui uno stato di rilassata naturalezza sembra essere il segreto per poter scivolare così senza sforzo, si vede che la vera verità è tutt'altra. Il pattinatore deve assumere una posa fisica o una serie di pose, una serie consapevole e mutevole di movimenti arrestati, bilanciando il suo corpo in una posizione appresa. Solo allora il suo corpo può aiutare invece di impedire alle lame e al ghiaccio di compiere il loro meraviglioso duetto di movimenti fluidi.

I pattini stanno facendo il pattinaggio e il corpo sopra sta percettivamente, sensibilmente e intelligentemente fuori dai piedi. A volte dirigendo, ma lasciando sempre il movimento come qualcosa da realizzare con ghiaccio e pattini. La qualità di questo movimento, che si tratti di pattinaggio sul ghiaccio, di un arco su una corda o dell'aria soffiata attraverso uno strumento a fiato, determina la qualità del risultato visibile. Questa qualità del movimento è una cosa che è il risultato del controllo dei fattori fisici circostanti.

Questo è come il movimento chiamato soffiare su uno strumento a fiato o come l'arco su uno strumento a corda. Sono sempre oggetti inanimati che si uniscono al cuore del movimento. Arco e corda. Aria e corno. Mazza da golf e pallina da golf. Questo è il motivo per cui il soffio è importantissimo per i fiati e il braccio dell'arco per gli archi.

Dobbiamo educare i muscoli a soffiare e inchinarsi in modo che aiutino e non interferiscano mai con il movimento di oggetti inanimati. L'arte del possibile nel lavorare con strumenti musicali, mazze da golf o qualsiasi altro strumento sta nel saper mettere in relazione i nostri corpi con gli strumenti muti. La risposta è relax? Difficilmente. L'altra faccia della medaglia è l'impotenza. Il controllo non si ottiene certo rinunciando all'idea di controllo.

L'arte è artificiale, non naturale. L'arte è disciplinata, vigile e intelligente. L'ingiunzione che dice "non sforzarti così tanto, rilassati e basta" dovrebbe essere cambiata in "prova di più in modo che funzioni". Giocare bene a causa del rilassamento è invitare a un grande nervosismo.

Pratica del bocchino

La pratica del bocchino fornisce un modo per sviluppare la massima indipendenza all'interno dell'imboccatura stessa. Il corno non viene utilizzato per rendere le note più facili e le labbra devono quindi modellarsi e formarsi e assumere una posa che suonerà le note con poca pressione.

Per organizzare i muscoli per la forza, uniamo tanti muscoli, sostenendo carne e ossa - tutto verso un punto focale di forza. Pucker perché porta i muscoli l'uno verso l'altro, invece di dividerli in sezioni più deboli, come un pugno, ma evita di unire così tanto che si mette in mezzo. Non premere troppo forte perché questo divide la bocca in due metà e limita la libertà di disposizione muscolare all'interno delle labbra stesse.

Il semplice fatto che una nota venga prodotta non è una prova che venga suonata con sufficiente controllo fisico. Probabilmente viene giocato con così poco controllo fisico che la sua esistenza potrebbe quasi essere definita "accidentale". Pratica attacchi improvvisi per costringere tutti gli ingredienti a incontrarsi in un momento. I giocatori intelligenti vedranno la pratica come quel momento di preparazione durante il quale i loro muscoli, singolarmente e in combinazione, vengono educati, ricordati e rafforzati in modo che possano fare la loro parte per raggiungere gli obiettivi di prestazione.

L'obiettivo finale della pratica dovrebbe essere quello di sviluppare e mantenere il controllo fisico. Senza controllo fisico, non hai un grado prevedibile di affidabilità nelle prestazioni e il raggiungimento del virtuosismo diventa impossibile. Suonare uno strumento musicale è per certi versi uno sforzo fisico tanto quanto lo è, diciamo, il golf. È anche un'abilità fisica tanto quanto, ad esempio, la falegnameria o la saldatura.

Routine di lezione e pratica

L'obiettivo di tutti gli sforzi di apprendimento è acquisire la capacità di agire in una data situazione. Una lezione è un luogo per esibirsi e per imparare cos'è un buon gioco. Uno studente che capisce cos'è un buon gioco è già diventato il maestro di se stesso. Diventare il tuo insegnante è il risultato di un buon insegnamento.

Il buon gioco consiste in cose come:

• note giuste
• attacchi puliti
• buona intonazione
• capacità di proiettare a tutti i livelli di dinamica
• possibilità di collegare o separare le note

Due cose che uno studente dovrebbe cercare di ottenere dalle lezioni:

• Quello di cui sente di aver bisogno
• Ciò di cui l'insegnante sente di aver bisogno

Suonare uno strumento è un'abilità o un mestiere che può essere appreso. Una volta padroneggiato l'approccio di base, la creatività può prendere il sopravvento. Una piramide di ingredienti per giocare di qualità:

Il controllo è davvero la parola d'ordine. La pratica dovrebbe essere misurata con gli stessi standard delle prestazioni effettive. Un problema nell'insegnamento è cercare di spiegare a uno studente perché non migliora rapidamente e perché non può trarre beneficio semplicemente dal suonare molta musica.

Sapere quando riposare durante la pratica potrebbe essere considerato come "l'arte del tempismo". Questo "temporizzazione" è spento quando non si gioca regolarmente su un lavoro fisso. Riposare e giocare sono atti ugualmente positivi e costruttivi.

Kopprasch #24

In Kopprasch #24, suona ogni nota superiore tre o quattro volte, alternando i corni F e B-flat.

Nel tipo di riscaldamento Kopprasch #24 (in basso al contrario), il diaframma dovrebbe supportare le note morbide e le labbra dovrebbero sentirsi come se potessero suonare forte, ma principalmente il riscaldamento dovrebbe essere fatto senza il rischio di far saltare le labbra attraverso forte.

Il modo "giusto" di suonare le singole note è il modo in cui sarai in grado di produrre un Kopprasch #24 soddisfacente (legato, veloce, ecc.). Ma altri modi (meno corretti, o più pressione, o non sufficientemente impegnativi da parte di tutti i muscoli coinvolti) non produrranno un Kopprasch #24 di successo, anche se le singole note sembrano riproducibili in modo affidabile. Kopprasch #24 diventa quindi un mezzo per prendere la suprema correttezza dei metodi usati per produrre le note isolate.

Pratica quotidiana

Pratichiamo:

• Mentre impari a giocare
• Dopo aver imparato a suonare

Perché esercitarsi dopo aver superato la prima fase?

• per imparare nuova musica
• perfezionare le tecniche; cioè velocità, legato, intonazione, intervalli, ecc.
• per mantenere i muscoli in forma

Dopotutto, i muscoli sono coinvolti anche in un gioco molto rilassato. Anche le labbra, che fungono semplicemente da canna rilassata, sono composte da tessuto muscolare e mostreranno i risultati dell'esercizio; ad esempio, rafforzare e rispondere ai comandi e acquisire familiarità con i requisiti.

Le routine possono sicuramente aiutare a portare il giocatore fino a un certo livello. Deve sapere in seguito quando lasciare le routine se vuole lasciare quel livello.

Per mantenere l'imboccatura in forma minima, gioca a intervalli giornalieri.

• Corno tra ogni nota
• Ogni nota forte e solida senza esagerare
• Nessuna percettibile agitazione con le labbra tra le note come leccare, torcere o scorrere la lingua tra le labbra
• Alcuni toni lunghi

La pratica deve includere (non necessariamente tutto in una volta o tutti i giorni):

• Lavora su intervallo, intervalli ravvicinati, intervalli medi (3° e 4°), intervalli grandi, direzioni sfalsate e direzioni coerenti.
• Respiri temporizzati e ingressi su toni brevi e lunghi per incoraggiare una respirazione profonda e completa.
• L'esperienza di apertura dei bassi estremi, alcuni dei quali sono mantenuti nel registro acuto, più le richieste sull'intera lunghezza della colonna d'aria.
• Le labbra ruotano gradualmente solo nella misura necessaria a salire, evitando così la pericolosa “deglutizione” del labbro inferiore (suonando una scala dal bassissimo verso l'alto).

Lo scopo della pratica quotidiana potrebbe essere definito come dare forza, reattività e intelligenza ai muscoli che circondano, modellano e controllano le dimensioni del foro d'aria, anche i muscoli che spingono e supportano l'aria. La pratica quindi dovrebbe essere diretta ad aiutare lo "stupido" a "recuperare". Questo viene fatto (labbra stupide, ecc. rispetto alle dita) copiando ciò che ha fatto sì che le mani sviluppassero così innumerevoli ordini dal cervello per svolgere un lavoro specifico; niente si muove senza muscoli.

I principi di base sono gli stessi per tutti gli strumenti. È necessario che lo studente:

• Acquisisci una comprensione di questi principi di base
• Comprendere il modo in cui i principi di base vengono applicati e relativi ai problemi specifici presentati dallo strumento
• Praticare in modo intelligente (master) materiali di studio (studi, studi caratteristici, ecc.) che presentano i problemi e le difficoltà dello strumento
• Separazione e relazioni tra fisica e mentale comprensione della coordinazione tra elementi fisici, ingredienti primari, importanza relativa e relazione di ciascuno

Qualsiasi metodo o disciplina utilizzata per insegnare uno strumento deve incorporare i principi di base che regolano l'apprendimento di tutti gli strumenti. Lo studente deve concentrarsi su:

• ottenere il controllo fisico
• standard di qualità per tono, intonazione, fraseggio
• comprensione mentale della pagina stampata
• comprensione ritmica
• come usare l'orecchio?
• sistema di prove
• procedura pratica
• quando riposare e per quanto tempo

È importante sviluppare un metodo di utilizzo della lingua per l'attacco che non interferisca o inibisca il corretto funzionamento delle labbra o del flusso d'aria. Questo è basato sul legato, che non usa la lingua a cui si aggiunge la lingua; piuttosto che un edificio d'aria (spesso troppa aria) dietro una lingua che interferisce rigidamente con il rilascio dell'aria. In altre parole, non è l'azione esplosiva della lingua che produce la nota, ma il corretto controllo delle labbra e dell'aria.

La sicurezza (precisione) sullo strumento deriva infine dall'applicazione riuscita e determinata di tutte le varie parti componenti di ciò che va a costituire un particolare sistema di suonare. È naturale (quindi prevedibile) che la corretta disposizione delle labbra sarà più difficile da trovare in alcuni giorni rispetto ad altri. Questo è un "vuoto di memoria" della carne e degli altri ingredienti coinvolti nella disposizione. In questi giorni è importante che il musicista mantenga le labbra rilassate e utilizzi un buon supporto dando all'arrangiamento la possibilità di correggersi.

In una certa misura, l'idea di muovere molta aria non è altro che la sensazione ricevuta quando il diaframma spinge l'aria contro la glottide resistente; in altre parole, compressione. Se allo stesso tempo le labbra sono rilassate e in un buon arrangiamento, la sensazione e il suono saranno come se si stesse muovendo molta aria.

Il modo migliore per apportare il cambiamento (un modo che richiede molta pazienza e pratica determinata) è trovare una buona routine quotidiana di schemi di note che sia perseguita in modo disciplinato e intelligente. Questo dà al giocatore saggio il tempo di:

• Abbattere i vecchi schemi di pensiero e attività muscolare
• Costruisci nuovi modelli per sostituire i vecchi
• Aumentare la comprensione di ciò che sta accadendo
• Costruisci forza muscolare e abitudini

Questa procedura significa molte ore di pratica in cui l'intento è dedicato quasi ampiamente alla routine (Clark, per esempio) piuttosto che alla "musica".

Senza dubbio, una buona lettura a prima vista è un sottoprodotto di abilità di gioco corrette e ben consolidate. Sebbene siano coinvolti altri fattori (esperienza, rapidità di pensiero, buona vista, ecc.), la ragione principale per una buona lettura è che il giocatore ha abbastanza familiarità con un sistema di gioco funzionante. Ecco perché è sciocco esercitarsi a leggere prima che altri problemi di gioco siano ben risolti e perché la lettura a prima vista potrebbe costituire un test valido e corretto delle capacità di un giocatore.

Materiali didattici

I materiali didattici per studenti di strumenti musicali possono essere suddivisi in due grandi categorie. La più piccola delle due categorie comprende libri che tentano di spiegare come si fa la cosa. L'approccio how-to è di natura teorica e può essere descritto come uno sforzo di istruire mediante analisi e logica. Nella sua forma più pura, questo tipo di scrittura non contiene materiale musicale in quanto tale. O è interamente verbale nel contesto, o è un misto di spiegazione verbale in combinazione con supporti fotografici o altri aiuti non musicali.

La seconda ampia categoria di scrittura didattica è il materiale musicale sotto forma di studi, studi, esercizi, routine di riscaldamento, ecc. Nella sua forma più pura, il materiale di questa categoria di scrittura didattica non contiene materiale non musicale; cioè, nessuna istruzione verbale e nessuna spiegazione su come giocare, di natura completamente non teorica.

Questi lavori possono essere pensati come composizioni musicali in cui sono incorporati vari livelli di difficoltà di esecuzione. Lo scopo educativo di queste opere a volte è dichiarato esplicitamente ma più spesso è solo implicito. Lo scopo è quello di presentare allo studente la gamma completa di problemi esecutivi, sia musicali che tecnici, al fine di sviluppare e testare la sua capacità di eseguire musica reale. La distinzione tra materiale di studio e musica vera è generalmente riconosciuta e accettata, e la maggior parte dei musicisti la considera ovvia; tuttavia, alcune di queste opere possono essere pensate come vera musica, e sono doppiamente preziose in quanto presentano problemi di esecuzione in una forma bella e musicalmente soddisfacente.

Pochissime opere possono essere citate come esempi di scrittura puramente teorica. D'altra parte, molti autori possono essere citati come compositori di scrittura non teorica (puramente musicale) le cui opere sono rivolte principalmente all'educazione musicale; Kopprasch, Gallay, Kling e Schuller sono esempi.

La logica sottostante implicita nell'uso di questo tipo di materiale è che le persone possono imparare facendo. Un'ulteriore implicazione (spesso espressa in modo esplicito) è che le spiegazioni e l'analisi teorica sono in gran parte una perdita di tempo.

Sono necessari alcuni studi che sono limitati per ampiezza ma forniscono comunque soluzioni interessanti a problemi musicali e meccanici. Questi possono essere utili ai musicisti di gamma limitata in quanto viene fornito qualcosa per il materiale di pratica che non supera le capacità delle note alte o basse del loro particolare stadio di sviluppo. Gli studi all'interno di un'ottava vanno bene per i principianti; alcuni studi di tipo avanzato potrebbero essere usati come riscaldamento enfatizzando la gamma bassa come punto di partenza e comprendendo la maggior parte degli scopi del mio attuale riscaldamento.

Il gioco degli studi è utile e importante. Tale pratica crea problemi graduati da risolvere per il giocatore. Fornisce materiale di auto-test per dimostrare i problemi di produzione che il giocatore pensa di aver risolto. Mette alla prova e costruisce la resistenza e fornisce anche interesse melodico ed esperienza ritmica.
Tuttavia, nessun numero di studi insegnerà al giocatore come suonare o come esercitarsi. Molti studenti finiscono per essere poco più che collezionisti di musica che non sanno suonare, che non sanno suonare e che non sanno come esercitarsi.

Il tuo problema è una comprensione insufficiente del come giocare? Cioè, sei poco chiaro sulla produzione meccanica? O sei semplicemente ignorante su come esercitarti ogni giorno in modo che alla fine di un adeguato riscaldamento, ti ritrovi con un labbro stanco o ancora insensibile?

Uno dei vantaggi dei toni lunghi è che insegnano come continuare a soffiare dopo che si pensa che l'aria sia finita; cioè, mettono in gioco il supporto del diaframma. Questo può essere ottenuto anche suonando molte note separate senza respirare.

Gli studi danno un modo per combinare le note in diverse combinazioni dopo che è stato compiuto un adeguato riscaldamento. Aiutano a preparare i cornisti per i passaggi da solista nella letteratura.