di Julie Landsman

Di recente ho intervistato Julie Landsman, corno principale in pensione della Metropolitan Opera Orchestra e professoressa di corno alla Juilliard e alla University of Southern California, sul suo modo di suonare il corno e sul suo insegnamento. Abbiamo discusso i fondamenti della tecnica e della musicalità e come insegnare queste cose agli studenti. Il saggio di seguito inserisce le parole di Julie in un flusso narrativo sul suono del corno e sulla pedagogia. Abbiamo iniziato parlando di Carmine Caruso, che ha lavorato con molti ottoni negli anni '1970 e ha sviluppato una serie di esercizi volti a costruire una tecnica stabile. -Daniel Grabois, redattore di colonne di pedagogia

Gli esercizi di Carmine Caruso sono parte integrante del mio insegnamento e del mio modo di suonare. Sono lì da quando avevo dodici anni. Sono sempre nella mentalità di Carmine quando c'è un corno coinvolto. Ma ho scoperto che devi davvero muoverti al ritmo dello studente, non del metodo. Essere saggio come insegnante in ciò che do ai miei studenti aiuta davvero a personalizzare ciò che do a ogni studente del Caruso. Ad esempio, alcuni dei miei studenti se la cavano meglio senza ronzio libero e potremmo trovare alcuni modi per aggirarlo. Dipende molto dallo studente. Se forzi il ronzio libero, potresti finire nei guai.

Quello che non vuoi fare con il Caruso è esagerare. Chi esagera corre il rischio di farsi male. Tenere il bocchino in posizione e respirare attraverso il naso è davvero una buona idea per il Caruso, ma non lo consiglierei mai per suonare regolarmente. Aiuta a stabilizzare l'imboccatura mentre si muove attraverso i registri. Ci sono così tanti aspetti di questo metodo che trovo terapeutici e utili. Sviluppare un'imboccatura che non ha bisogno di molti reset mentre si passa attraverso le interruzioni di registro è una delle maggiori risorse del metodo Caruso.

C'è molto perfezionamento di come funziona l'imboccatura. Il concetto di utilizzare la suddivisione per il movimento è cruciale. Se perfezioni la tua suddivisione mentre ti muovi attraverso gli intervalli, usando la suddivisione di 16^th note nella battuta prima di muoverti, affina davvero il modo in cui si muovono le tue costolette (con le centinaia di muscoli necessari per passare da una nota all'altra) e ciò che desideri è coordinazione e raffinatezza, in modo che la tua tecnica sia pulita e chiara . Quella raffinatezza si manifesta davvero nelle audizioni orchestrali, dove la ruvidità è un rompicapo.

La definizione della tecnica del corno include la costruzione da zero. Come funziona il tuo supporto? Come funziona la tua aria? Sono in equilibrio con il modo in cui funziona la tua imboccatura? Se hai una buona base, un buon colpo e un buon supporto, ti porterà molto lontano con l'equilibrio, e l'equilibrio nell'imboccatura è essenziale. La lingua, ad esempio, non può funzionare senza supporto e soffiaggio. Insegno fondazione tramite Caruso, ma ho anche studiato Alexander Tecnica e Feldenkreis. Entrambi questi metodi mi hanno davvero aiutato con le basi di base, quindi il tuo corpo è ottimizzato con aria e supporto.

“Supporto” è un concetto molto amorfo poiché non possiamo vederlo. È l'impegno del tuo core nel suonare il tuo corno. Negli ultimi anni al Met, ho iniziato a studiare Alexander Tecnica e ho imparato a tirare la pancia per fornire supporto al suono. Questo era un aspetto essenziale di un gioco sano: senza supporto e senza colpo, punisci i tuoi colpi (imboccatura) più di quanto possano sopportare. Puoi effettivamente danneggiare i tuoi colpi e la tua resistenza senza un buon equilibrio tra aria e supporto.

"Aria buona" significa un flusso d'aria in movimento costante e costante. Potrebbe essere costante e veloce (forte) o costante e lento (morbido), ma è in movimento, impegnato e costante. Questo è il modo in cui alimentiamo le nostre costolette per creare un gioco dinamico. Questi sono gli ingredienti essenziali nella ricetta del buon suonare il corno.

C'è qualcosa chiamato "gusto" della nota che è una cosa miracolosa che noi suonatori di fiati possiamo fare. Possiamo sentirlo, possiamo sentirlo, possiamo vederlo, e poi lo cronometriamo e lo suoniamo. Che sapore ha quella nota? C'è un esercizio di degustazione di note in Caruso che sviluppa l'accuratezza. C'è un certo aspetto magico nel sapore di una nota. Da giovane studente nella band principiante, ero perplesso dal fatto che i compagni di classe sapessero come trovare la prima nota che dovevano suonare. Come facevano a saperlo? Man mano che invecchiamo, ci esercitiamo e ci sviluppiamo, il gusto delle note si sviluppa e diventa automatico e naturale.

Io non mai pensa alle mie labbra Non dirigo la mia imboccatura per istruzione. Lo sento e basta. Se un altro suonatore di corno o uno studente suona una nota, ho una sensazione empatica di quella nota. Sviluppiamo solo un senso con la ripetizione nel tempo.

Molti musicisti, quando abbassano la mascella per entrare nel registro grave, perdono uniforme e uguale pressione sui loro colpi. Se sta succedendo, potrei dire: "Assicurati di sentire entrambe le serie di denti". I giocatori spesso perdono questo contatto mentre scendono. Posso sentire quando uno studente perde questo contatto perché il suono diventa instabile. Dovrebbe suonare simile e bello in tutti i registri (in un mondo ideale). Un accordatore è un ottimo insegnante per discendere i registri: quando diventa piatto, sai che non stai usando abbastanza pressione nella gamma bassa. Aiuto i miei studenti a scoprire, muovendosi lentamente e in modo incrementale, come si stanno connettendo con il bocchino. Quindi, parlo di braciole se ci sono problemi.

Se il colpo (flusso d'aria) che esce dall'apertura e attraverso il clacson è uniforme e uguale alla pressione nella parte anteriore, sei a posto. Se soffi troppo e non hai abbastanza pressione davanti, il suono diventa rauco. E se ti spacchi il bocchino nelle costole davanti e non lo reggi con un buon colpo che abbia un supporto uniforme e buono, puoi metterti nei guai e farti male.

Meno pensare è meglio. Molti insegnanti gestiscono le imboccature dei loro studenti. Mi piace scegliere i gruppi muscolari più grandi: glutei, pancia, core e coccige: quelli sono molto più stabilizzanti rispetto alla microgestione dell'imboccatura. Ricordo costantemente ai miei studenti di spegnere il loro pensiero. Rioriento la loro attenzione lontano dalle loro costolette.

Nei momenti migliori, sono completamente impegnata in quello che faccio: amare la musica, amare la mia parte, amare il mio contributo, amare i miei colleghi e quello che sento sul palco. Provo emozioni positive. Ho anche cronometrato quello che sto facendo in modo molto forte. Sto cercando di farlo sembrare facile, anche se è difficile. Voglio una "cassa degli attrezzi per la facilità" e il numero uno è il tempismo. Numero due: sto soffiando e sostenendo? Oltre a ciò, se sono preoccupato, ho cose nella cassetta degli attrezzi per sostituire la preoccupazione. Ad esempio, ho dedicato molte esibizioni nel mio cuore ai miei genitori. C'è una registrazione dal vivo mio sito web of Va tacito dall'opera Giulio Cesare di Händel. Avevo avuto la polmonite sei settimane prima, quindi le mie costolette NON si sentivano bene. Ho dovuto meditare e visualizzare molto per allontanarmi dalla preoccupazione, per andare invece all'immaginazione. Ho suonato l'aria conversando con i miei genitori, ringraziandoli con un cuore grato per tutto quello che hanno fatto per me. È così che ho gestito la mia alta ansia, ed è andata alla grande. Sono così orgoglioso di questa registrazione, dove sto canalizzando energie diverse. Non ha NIENTE a che fare con la tecnica: è tutta una questione di immaginazione.

Per uscire dalla tua testa, devi trovare qualcosa di più forte di quello che hai nella testa. Mettiti in una scena e fornisci quanti più dettagli possibili per la scena. Dovresti sperimentare. Trova qualcosa di molto specifico da immaginare e inventa una storia, in modo che quando giochi, sei coinvolto nei dettagli della storia piuttosto che pensare alle tue preoccupazioni. Devi rendere la storia più forte della preoccupazione. Ed è divertente!

Lo scopo di fare gli esercizi di Caruso è di liberarti in modo da poter essere completamente immerso nella musica.

La più grande educazione che puoi darti per sapere come vuoi suonare è ascoltare gli altri esibirsi. Non devono essere suonatori di corno. Andavo all'opera cinque volte a settimana quando ero al liceo, ascoltando cantanti incredibili. Il mio mondo è cambiato ascoltando questi cantanti. Volevo suonare proprio come Marilyn Horne: un tono bello e centrato con un nucleo solido e un esterno ricco e cremoso. Posso mai suonare così, per favore??

Mi scaldo su Caruso: sei note, labbra-bocchino-corno e così via; Ho una routine prestabilita, che posso espandere. Mi muovo attraverso tutti i registri, sentendo la flessibilità.

Quando sono arrivato alla Juilliard da studente, non riuscivo affatto a suonare basso. Ho iniziato a lavorare con Carmine Caruso sul registro grave: come esercitarsi e cosa fare per rendere il suono uniforme e intonato. Ho lavorato un'intera estate per sviluppare questo. “Even and equal pressure” è stato quello che mi ha detto: lascia che le labbra trovino l'equilibrio.

Cosa serve per imparare l'equilibrio in bicicletta? Ripetizione, cadute, scuoiamento delle ginocchia e ritorno in bicicletta. Il tuo corpo può naturalmente trovare l'equilibrio con il tempo e la ripetizione. Mi piace aumentare il livello di creatività con i miei studenti: pensa alle immagini, ai colori, alle scene. L'elemento visivo può distogliere gli studenti dai loro pensieri che giocare. Cerco di distrarre il lato analitico del cervello in modo che il lato creativo sia più attivo di quello analitico. Gli studenti hanno il proprio stile di apprendimento e il proprio ritmo. L'insegnante master tratta ogni studente come un individuo. Come posso ottenere i migliori risultati da questa persona come individuo? Devo cambiare il mio approccio? Continuo a cercare e non accetto niente di meno di grande.