por Julie Landsman

Recientemente entrevisté a Julie Landsman, trompa principal jubilada de la Metropolitan Opera Orchestra y profesora de trompa en Juilliard y la Universidad del Sur de California, sobre su forma de tocar la trompa y su enseñanza. Discutimos los fundamentos de la técnica y la maestría musical, y cómo enseñar estas cosas a los estudiantes. El siguiente ensayo pone las palabras de Julie en un flujo narrativo sobre tocar la trompeta y la pedagogía. Comenzamos hablando de Carmine Caruso, quien trabajó con muchos músicos de metales en la década de 1970 y desarrolló una serie de ejercicios diseñados para desarrollar una técnica estable. -Daniel Grabois, Editor de Columna de Pedagogía

Los ejercicios de Carmine Caruso son totalmente parte de mi enseñanza y juego. Han estado ahí desde que yo tenía doce años. Siempre estoy en la mentalidad de Carmine cuando hay una bocina involucrada. Pero he descubierto que realmente necesitas moverte al ritmo del alumno, no del método. Ser sabio como maestro en lo que doy a mis alumnos realmente ayuda a adaptar lo que doy a cada alumno en el Caruso. Por ejemplo, a algunos de mis alumnos les va mejor sin zumbidos libres, y podemos encontrar algunas formas de solucionarlo. Realmente depende del estudiante. Si fuerza el zumbido libre, podría meterse en problemas.

Lo que no quieres hacer con el Caruso es exagerar. Aquellos que se exceden corren el riesgo de lesionarse. Mantener la boquilla en su lugar y respirar por la nariz es una muy buena idea para el Caruso, pero nunca lo recomendaría para tocar con regularidad. Ayuda a estabilizar la embocadura a medida que avanza por los registros. Hay tantos aspectos de este método que encuentro terapéuticos y útiles. Desarrollar una embocadura que no necesite muchos reinicios a medida que pasa por las pausas de registro es uno de los mayores activos del método Caruso.

Hay mucho refinamiento de cómo funciona la embocadura. El concepto de usar la subdivisión para el movimiento es crucial. Si refina su subdivisión a medida que avanza a través de los intervalos usando la subdivisión de 16^th notas en el ritmo antes de que te muevas, realmente refina cómo se mueven tus chops (con los cientos de músculos que se necesitan para pasar de una nota a otra), y lo que quieres es coordinación y refinamiento, para que tu técnica sea limpia y clara. . Ese refinamiento realmente se muestra en las audiciones orquestales, donde la rudeza es un factor decisivo.

Definir la técnica del corno incluye construir desde cero. ¿Cómo está funcionando su soporte? ¿Cómo está funcionando tu aire? ¿Están en equilibrio con el funcionamiento de su embocadura? Si tienes una buena base, un buen golpe y un buen apoyo, te llevará muy lejos con el equilibrio, y el equilibrio en la embocadura es esencial. La lengua, por ejemplo, no puede funcionar sin apoyo ni golpe. Enseño fundamentos a través de Caruso, pero también he estudiado Alexander Técnica y Feldenkreis. Ambos métodos realmente me ayudaron con la base básica, por lo que tu cuerpo está optimizado con aire y apoyo.

“Soporte” es un concepto muy amorfo ya que no podemos verlo. Es el compromiso de tu núcleo en tu interpretación de la trompeta. En mis últimos años en el Met, comencé a estudiar Alexander Técnica, y aprendí a contraer mi barriga para apoyar el sonido. Este era un aspecto esencial del juego saludable: sin apoyo y sin golpe, castigas tus chuletas (embocadura) más de lo que pueden soportar. De hecho, puedes dañar tus habilidades y tu resistencia sin un buen equilibrio de aire y apoyo.

“Buen aire” significa una corriente de aire constante y constante en movimiento. Puede ser constante y rápido (fuerte) o constante y lento (suave), pero se está moviendo, comprometido y constante. Así es como alimentamos nuestras chuletas para crear un juego dinámico. Estos son ingredientes esenciales en la receta de un buen toque de trompeta.

Hay algo llamado el "sabor" de la nota que es algo milagroso que podemos hacer los trompetistas. Podemos escucharlo, podemos sentirlo, podemos verlo, y luego lo cronometramos y lo tocamos. ¿A qué sabe esa nota? Hay un ejercicio de degustación de notas en Caruso que desarrolla la precisión. Hay un cierto aspecto mágico en el sabor de una nota. Como joven estudiante de banda principiante, me desconcertaba que mis compañeros de clase supieran cómo encontrar la primera nota que tenían que tocar. ¿Cómo lo supieron? A medida que envejecemos, practicamos y nos desarrollamos, el sabor de las notas se desarrolla y se vuelve automático y natural.

Yo no vez piensa en mis labios. No dirijo mi embocadura por instrucción. Simplemente lo siento. Si otro trompetista o un estudiante toca una nota, siento empatía por esa nota. Simplemente desarrollamos un sentido con la repetición a lo largo del tiempo.

Muchos músicos, cuando dejan caer la mandíbula para entrar en el registro bajo, pierden una presión uniforme e igual en sus golpes. Si eso sucede, puedo decir: "Asegúrate de sentir ambos juegos de dientes". Los jugadores a menudo pierden este contacto a medida que descienden. Puedo escuchar cuando un estudiante pierde este contacto porque el sonido se vuelve inestable. Debería sonar similar y hermoso en todos los registros (en un mundo ideal). Un afinador es un gran maestro para descender a través de los registros: cuando se vuelve plano, sabes que no estás usando suficiente presión en el rango más bajo. Ayudo a mis alumnos a descubrir, moviéndose lenta y progresivamente, cómo se conectan con la boquilla. Entonces, hablo de chuletas si hay problemas.

Si el golpe (flujo de aire) que sale por la abertura y a través de la bocina es parejo e igual a la presión en el frente, está bien. Si sopla demasiado y no tiene suficiente presión al frente, el sonido se vuelve estridente. Y si golpeas la boquilla en tus chuletas de frente y no la sostienes con un buen golpe que tenga un buen apoyo, puedes meterte en problemas y hacerte daño.

Menos pensar es mejor. Muchos profesores microgestionan las embocaduras de sus alumnos. Me gusta ir a los grupos más grandes de músculos: glúteos, abdomen, núcleo y cóccix, que son mucho más estabilizadores que microgestionar la embocadura. Les recuerdo constantemente a mis alumnos que apaguen su pensamiento. Redirijo su atención lejos de sus chuletas.

En el mejor de los momentos, estoy completamente comprometido con lo que estoy haciendo: amar la música, amar mi parte, amar mi contribución, amar a mis colegas y lo que escucho en el escenario. Me involucro en emociones positivas. También cronometro lo que estoy haciendo con mucha fuerza. Estoy buscando hacer que suene fácil, incluso si es difícil. Quiero un "cofre de herramientas de facilidad", y el número uno es el tiempo. Número dos: ¿estoy soplando y apoyando? Más allá de eso, si estoy preocupado, tengo cosas en la caja de herramientas para reemplazar la preocupación. Por ejemplo, dediqué muchas actuaciones en mi corazón a mis padres. Hay una grabación en vivo en mi sitio web of Va tácito de la ópera Giulio Cesare de Handel. Había tenido neumonía seis semanas antes, por lo que mis chuletas NO se sentían bien. Tuve que hacer mucha meditación y visualización para alejarme de la preocupación, para ir a la imaginación. Toqué el aria teniendo una conversación con mis padres, agradeciéndoles con un corazón agradecido por todo lo que hicieron por mí. Así manejé mi alta ansiedad, y me fue muy bien. Estoy muy orgullosa de esta grabación, donde estoy canalizando energía diferente. No tiene NADA que ver con la técnica, se trata de imaginación.

Para salir de tu cabeza, debes encontrar algo más fuerte que lo que hay en tu cabeza. Colóquese en una escena y proporcione tantos detalles de la escena como sea posible. Deberías experimentar. Encuentre algo muy específico para imaginar e invente una historia, de modo que cuando juegue, quede atrapado en los detalles de la historia en lugar de pensar en sus propias preocupaciones. Debes hacer que la historia sea más fuerte que la preocupación. ¡Y es divertido!

El propósito de hacer los ejercicios de Caruso es liberarte para que puedas sumergirte completamente en la música.

La mejor educación que puedes darte para saber cómo quieres sonar es escuchar a otros tocar. No tiene que ser trompetistas. Estaba en la ópera cinco veces a la semana cuando estaba en la escuela secundaria, escuchando a cantantes increíbles. Mi mundo cambió escuchando a estos cantantes. Quería sonar como Marilyn Horne: un tono hermoso y centrado con un núcleo sólido y un exterior rico y cremoso. ¿Puedo sonar así, por favor?

Caliento en Caruso: seis notas, labios-boquilla-trompeta, etcétera; Tengo una rutina establecida, que puedo ampliar. Me muevo por todos los registros, sintiendo la flexibilidad.

Cuando llegué a Juilliard como estudiante, no podía jugar bajo en absoluto. Empecé a trabajar con Carmine Caruso en el registro bajo: cómo practicar y qué hacer para que el sonido sea parejo y afinado. Trabajé todo un verano en el desarrollo de esto. “Presión pareja e igual” fue lo que me dijo: deja que los labios encuentren el equilibrio.

¿Qué se necesita para aprender a mantener el equilibrio en una bicicleta? Repetición, caídas, despellejarse las rodillas y volver a subirse a la bicicleta. Tu cuerpo naturalmente puede encontrar el equilibrio con el tiempo y la repetición. Me gusta elevar el nivel de creatividad con mis alumnos: pensar en imágenes, colores, escenas. El elemento visual puede alejar a los estudiantes de sus pensamientos sobre cómo para jugar. Trato de distraer el lado analítico del cerebro para que el lado creativo sea más activo que el analítico. Los estudiantes tienen su propio estilo de aprendizaje y su propio ritmo. El maestro maestro trata a cada estudiante como un individuo. ¿Cómo obtengo los mejores resultados de esta persona como individuo? ¿Necesito cambiar mi enfoque? Sigo buscando, y no acepto nada menos que maravillosa.