Jenseits des Herbstes, ein von der Kritik gefeiertes Werk von Joseph Schwantner.

Wilhelm Scharnberg

(Auszug aus dem Originalartikel, der im pdf Ausgabe November 1999 von The Horn Call)


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Josef Schwantner

Ein wichtiges zehnjähriges Projekt ist endlich zum Tragen gekommen und mit großer Freude wurde ich gebeten, die Uraufführung des ersten großen Konzerts im Auftrag der International Horn Society zu rezensieren. Der Mut der Offiziere und Mitglieder des IHS-Beirats im Laufe des letzten Jahrzehnts, von denen jeder bei diesem Projekt hätte aussteigen können, sollte gelobt werden. Es war ein großes Wagnis, aber mit dem mächtigen finanziellen und künstlerischen Bogen der International Horn Society und dem wahren Kompositionspfeil von Joseph Schwantner haben wir ins Schwarze getroffen!

Donnerstagabend, 30. September 1999, versammelte sich in der Eugene McDermott Concert Hall der Morton H. Meyerson Symphony Hall in Dallas, einem wunderschönen Gebäude, das von IM Pei entworfen wurde, ein Publikum zu einer Aufführung des Dallas Symphony Orchestra, einschließlich der Uraufführung von Jenseits des Herbstes: Gedicht für Horn und Orchester von Joseph Schwantner. Auf der Speisekarte standen auch Haydns Symphonie Nr. 82 und Tschaikowskys Symphonie Nr. 2, klug programmiert, um die Uraufführung zu kontrastieren und dem Orchester viel Zeit zum Einstudieren der Schwierigkeiten des neuen Konzerts zu geben. Der Solist war Gregory Hustis und der Dirigent Andrew Litton.

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Gregor Hustis

DSO-Programmkommentatorin Laurie Shulman hat sowohl ein Profil des Komponisten als auch ausgezeichnete Programmnotizen in das Stagebill des Abends aufgenommen. Hier Auszüge aus beiden Abschnitten:

Schwantners Karriere ging früh in einen Erfolgsmodus über. Nach Abschluss seiner formalen Ausbildung am Chicago Conservatory und an der Northwestern University sicherte er sich 1970 im Alter von 27 Jahren seine akademische Anstellung an der Eastman School of Music. Einen enormen Schub erhielt er 1979, als seine Orchesterpartitur Aftertones of Infinity mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnet. Bald darauf lud Leonard Slatkin Schwantner ein, Composer-in-Residence an der Saint Louis Symphony zu sein, eine Position, die er von 1982 bis 1985 innehatte. Dies waren aus mehreren Gründen Schlüsseljahre für Schwantner. Slatkin ist als Dirigent bekannt, der sich für neue Musik und amerikanische Musik einsetzt. Unter seiner Leitung spielte, nahm und tourte die Saint Louis Symphony fast jedes Werk, das Schwantner damals für Orchester geschrieben hatte. Dadurch erlangte Schwantners Musik bei Spielern und Publikum eine in der heutigen Welt seltene Bekanntheit.

Schwantner erklärt: „Im Grunde schreibe ich seit mehr als zwanzig Jahren Orchestermusik, also habe ich viel über das Orchester nachgedacht. Das Schreiben für Orchester fasziniert mich nach wie vor wegen der großen Klangvielfalt. Ich bin ein Komponist, der sich schon immer für den klanglichen Aspekt der Musik interessiert hat. Das Orchester liefert diese außergewöhnliche Stilvielfalt, ein Reservoir an Klängen, die man einsetzen kann. Ich finde das Medium für meine eigene Arbeit enorm bereichernd und habe das Gefühl, dass ich noch etwas zu sagen habe.“

In den 1990er Jahren hat Schwantner eine Reihe von Solokonzerten begonnen, die ihm einen neuen Blickwinkel auf das Schreiben symphonischer Musik eröffnen. Er untersucht die Frage der Balance zwischen Solist und Orchester und die Herausforderung, eine Orchesterrolle zu komponieren, die inhaltlicher ist als nur die Begleitung. Jenseits des Herbstes, Schwantners Hornkonzert ist eines von mehreren Werken, die in dieser Saison uraufgeführt werden. Er begann seinen „Zyklus“ mit einem Schlagzeugkonzert, das von den New Yorker Philharmonikern in Auftrag gegeben wurde. Das Publikum in Dallas wird während der Abonnementsaison 2000-2001 eine weitere Gelegenheit haben, Schwantners Musik zu hören, wenn sein neues Orgelkonzert vom Gewinner des zweiten alle drei Jahre stattfindenden Dallas International Orgelwettbewerbs aufgeführt wird, der in diesem Frühjahr hier im Meyerson stattfindet. Er wurde auch beauftragt, ein Violinkonzert für Anne Akiko Meyers und das National Symphony Orchestra zu schreiben.

„Jetzt stehe ich vor der unmittelbaren Herausforderung, konzertierte Stücke hintereinander ohne Erleichterung bewältigen zu müssen“, sagt er. „Die Tatsache, dass die Soloinstrumente so unterschiedlich sind, erleichtert es, einfach nur ein Continuos-Stück zu schreiben. Aber ich habe das Gefühl, dass wir Komponisten mit einigen allgemeinen kompositorischen Fragen beschäftigt sind, über die wir ständig nachdenken. Unsere Stücke haben eine größere Kontinuität und die Doppelstange ist fast eine Frage der Bequemlichkeit. Manchmal kommen die eigenen Ideen in einem Werk nicht zur vollen Entfaltung, aber bestimmte Fragen können in nachfolgenden Stücken beantwortet werden. Daraus entsteht die Stimme eines Komponisten. Sie gehen auf eine eigenwillige Weise mit dem musikalischen Rohmaterial um, und das macht Sie als Komponist aus. Ich glaube immer noch, dass diese Qualitäten in der Musik wichtig sind.“

Joseph Schwantner, geboren am 22. März 1943 in Chicago, Illinois, verbindet seit jeher kraftvolle poetische Bilder mit seiner Musik. Seine Werkliste umfasst wenige traditionelle Titel wie Symphonie, Sonate oder Quartett, dafür aber sinnträchtige Namen wie Entfernte Runen und Beschwörungen, Ein plötzlicher Regenbogen, und Traumrufer. Dies ist eindeutig ein Komponist mit Fantasie, starkem Interesse an Sprache und Literatur und einem lebendigen Sinn für Bilder. In Bezug auf seine Musik hat sich das in leuchtenden Instrumentalfarben und einem ausgeprägten Interesse am Klangspektrum einzelner Instrumente niedergeschlagen. Dieses Denken ist sehr deutlich in Jenseits des Herbstes, Schwantners neueste Partitur, die an diesem Wochenende ihre Uraufführung erlebt. Das Werk trägt den Untertitel „Gedicht für Horn und Orchester“. Das betreffende Gedicht steht am Anfang der Partitur.

Jenseits des Herbstes...

der Nebel der Weide

badet das schattige Land,

in einer fernen Vergangenheit

lang vergessen.

Schwantner ist der Autor, wie auch für das Gedicht, das als Ausgangspunkt für seine mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Partitur diente, Nachtöne der Unendlichkeit (1978). „Das Gedicht liefert den poetischen Impuls, der auf musikalische Analogien hindeutet“, bemerkt er. „Es besteht eine enge Affinität zwischen Bildern, die durch Poesie hervorgerufen werden, und einer Quelle musikalischer Ideen, die aus diesen Bildern entstehen. Sicherlich im Fall von Jenseits des Herbstes, dachte ich auch über die Natur des Horns und seine Fähigkeiten nach. Es ist ein Instrument mit einer enormen Bandbreite an Dynamik und Ausdruckspotential. Einerseits kann es heroisch, kraftvoll, kühn und blechern sein. Auf der anderen Seite hat es diese außergewöhnliche Fähigkeit, intim zu sein und distanziert zu klingen.“

All diese Qualitäten hat Schwantner, so der Solist Gregory Hustis, in Jenseits des Herbstes. „Seine Botschaft ist Stärke, Traurigkeit und Adel“, sagt Hustis. „Die größte Herausforderung besteht darin, den dramatischen Geschmack einzufangen. Dies ist aus technischer Sicht nicht das schwierigste Hornkonzert, das jemals geschrieben wurde, obwohl es einiges an Durchhaltevermögen erfordert. Schwantner bittet um enorme Freiheit. Er ist mehr besorgt, dass die Stimmung und der Ausdruck durchkommen, als dass er eine wörtliche Wiedergabe der geschriebenen Noten verlangt. Er beharrt auf einigen seiner Themen. Ich denke, das zwingt den Hörer, nachdenklich zu sein.“

Hustis sieht das Orchester als Partner des Solisten, ebenso wie die Bläser. Schwantner fordert, die Hörner links vorne auf der Bühne zu platzieren, wo normalerweise die Celli stehen. „Die Idee ist, die Hörner im Allgemeinen optisch und klanglich hervorzuheben“, sagt der Komponist, „und insbesondere auf den Solisten.“ Letzteres erreicht er, indem er den Solisten zu Beginn des Jahres hinter die Bühne stellt Jenseits des Herbstes, und am Ende in eine Rezession übergehen. Schwantner erklärt: „Auch wenn das Horn unter uns ist, ist es zu diesem lontano (fernen) Klang fähig. So beginnt das Stück mit einer kurzen Einführung und die erste Hornäußerung lässt den Solisten ziemlich dramatisch, aber abseits der Bühne, außerhalb der Sichtweite des Publikums spielen. Dieses Gefühl von Distanz ist in das Stück eingebaut, das eine Metapher für einen Aspekt der Persönlichkeit des Horns ist.“

Schwantner beschreibt Jenseits des Herbstes als einsätziger bogenförmiger Rondoentwurf, ca. 16 Minuten lang. Als musikalischen Dreh- und Angelpunkt in seiner Mitte dient ein Choral, der zuerst von Flöte und Streichern eingeleitet wird, dann von tieferen Holzbläsern, einschließlich aller Hörner – das einzige Mal in dem Stück, dass Horn und Solist dieselbe Musik spielen. Der Komponist betrachtet Jenseits des Herbstes in seinem musikalischen Ausdruck ein sehr direktes Stück zu sein. Die Zuhörer werden vielleicht die häufige Verwendung einer kleinen Sexte bemerken, dem Hauptintervall, das einen Großteil des Stücks durchdringt, und insbesondere die Zeile des Solisten. „Kleine Sexten haben beim Hornspiel eine ganz besondere Qualität, zumindest in meinen Ohren eher traurig“, erklärt Schwantner. Er weist darauf hin, dass das Stück im Gegensatz zu einem traditionellen Konzert keinen wesentlichen Anteil an schneller, virtuoser Musik enthält. Es ist vielmehr virtuos in der Kontrolle, die es braucht, um lange, ausgedehnte Linien, oft in der hohen Lage des Horns, zu meistern.

In einer „offiziellen“ Erklärung, die in die Programmnotizen der Aufführung aufgenommen werden sollte, schrieb Joseph Schwantner:

Jenseits des Herbstes „Poem“ für Horn und Orchester wurde von der International Horn Society und teilweise vom Barlow Endowment an der Brigham Young University in Auftrag gegeben. Seine Uraufführung wurde Gregory Hustis, Solohornist, und dem Dallas Symphony Orchestra zuerkannt. Das Horn, ein äußerst anspruchsvolles und unversöhnlich zu beherrschendes Instrument, ist zu einem bemerkenswert breiten musikalischen Ausdrucksspektrum fähig. Manchmal sehr durchsetzungsfähig, fesselnd und heroisch, besitzt es auch eine dunkel evokative und entfernt verschleierte Natur, die sich eng mit den zartesten und transparentesten Orchestertexturen vermischen kann. Dieses Werk greift jene dramatischen, lyrischen und elegischen Qualitäten auf, die Teil der ausdrucksstarken Persönlichkeit des Horns sind, und wird durch die beredte Musikalität von Gregory Hustis weiter beleuchtet und beeinflusst. Beyond Autumn ist dem Andenken meines Schwiegervaters Jack Rossate gewidmet, einem freundlichen und sanften Mann, der meine Familie XNUMX Jahre lang mit seiner Anwesenheit gesegnet hat.

Für die Uraufführungen rief der Dirigent des DSO, Andrew Litton, den Komponisten auf die Bühne, während Crew und Orchester die Bühne fertig machten und sich für die Aufführung umstellten. Mit dem Mikrofon in der Hand leitete Litton sein kurzes Interview mit dem Komponisten ein, indem er feststellte, dass Musiker sich so oft wünschen, sie könnten dem Komponisten detaillierte Fragen zu einem Werk stellen; die Anwesenheit des Komponisten machte dies endlich möglich. Er fragte Schwantner, wie er dazu gekommen sei, das Konzert zu schreiben, woraufhin der Komponist gestand, dass es von der International Horn Society in Auftrag gegeben worden sei. Darüber hinaus hörte er sich zur Vorbereitung Aufnahmen von Gregory Hustis an und war beeindruckt von Hustis' eloquenter Musikalität und lyrischen Fähigkeiten. Das Stück wurde dann so gestaltet, dass es das ausdrückt, was Schwantner sowohl für die idiomatische Stimme des Horns als auch für die lyrischen Fähigkeiten des Solisten hält.

Das Publikum war also darauf vorbereitet, eine bunte, sechzehnminütige Orchesterfantasie mit dem Horn zu erwarten, bevor ein Orchester mit Piccoloflöte, Holzbläsern zu zweit sowie Englischhorn, Bassklarinette und Kontrafagott, vier Hörnern (der Solistin gegenübersitzt), drei Trompeten, drei Posaunen, Tuba, Pauken, drei Schlagzeuger, die eine Vielzahl von Instrumenten spielen, verstärktes Klavier, Harfe und Streicher.

Das Gedicht beginnt mit einem kurzen, brillanten Klangrausch von Percussion, Keyboard und Harfe über einem weichen, gehaltenen, dichten Akkord in den Streichern und Bläsern. Dieser Akkord ebbt und fließt dynamisch unter perkussiven Einwürfen. Das Horn tritt mit einem dramatischen Ruf außerhalb der Bühne ein, gefolgt von einem weiteren perkussiven Wirbel, dann ein weiterer Solo-Hornruf, diesmal höher in der Tonlage, von einer Position auf der Bühne, aber für das Publikum gerade sichtbar. Während sich der Hornist in die Soloposition bewegt, kehrt das Orchester zu farbenfrohen Akkorden und Streicherglissandi zurück, die wiederum zu einem Höhepunkt der gesamten Sammlung von Instrumenten im tiefen Bereich plus verstärktem Klavier werden. Wenn mehr Instrumente beteiligt werden, ruft das Hornsolo in dreifacher Unterteilung über die zweifachen Unterteilungen des Orchesters. Hier musste Hustis, vielleicht aufgrund des dem Horn gegenüber etwas „unfreundlichen“ Saals, viel lauter spielen, als es das Durchlesen der Partitur vermuten lässt. Greg bemerkte nach der Aufführung: „Ohne einen Klavierauszug der Partitur fliege ich seit ungefähr zehn Wochen blind. Erst gestern Morgen hörten wir alle die Orchestrierung zum ersten Mal. Als ich zu Hause übte, dachte ich, ich drehe die lauten Passagen heraus, dann wollten die Hörer immer mehr Horn. Außerdem gab es ein Problem darin, dass Mr. Litton sich für die 8/4-Passagen, die ich 3+3+2 geübt hatte, wie in der Partitur vermerkt, entschied, in einem Vierer-Muster zu spielen. Litton war jedoch wirklich gut darin, das Stück vorzubereiten – er hörte sehr aufmerksam auf die Kommentare der vielen Ohren im Saal. Ich bin wirklich erleichtert, dass die Aufführung gut gelaufen ist, weil ich großen Druck verspürte, der Arbeit im Namen der Horn-Gesellschaft gerecht zu werden. Fast wäre ich heute Abend religiös geworden – an einigen Stellen hat mich jemand bewacht.“ Ein Orchesterkollege bemerkte: „Das hat gerade in letzter Minute sehr gut gepasst.“

Der rhythmische Kontrast ist ein Markenzeichen des Stücks, und es ist diese rhythmische Unabhängigkeit, die eine Hauptschwierigkeit für den Solisten darstellt, der die Last trägt, visuell kompliziertere Triolengruppierungen über manchmal dichte Orchesterbesetzungen in den Bläsern und Streichern einzupassen. Während die Solo-Hornstimme in den beiden Eröffnungsrufen nur Geschicklichkeit erfordert, ist der Tonumfang ziemlich breit (von e bis c"' geschrieben) mit dem Intervall der kleinen Sexte, wie oben erwähnt. Ausgehaltene Melodien werden im Allgemeinen mit voller Stimme gespielt, niemals hoch und zart, und es gibt gelegentlich brillante hohe Töne. Der Teil verlangt eindeutig nach einem Solisten, der körperlich sehr kraftvoll ist. Während die äußeren Teile der bogenförmigen Komposition dissonanter sind, ist der Kern des Werks tonal und melodisch heben sich zwei Melodien als schön hervor: die eine ist der ruhige Choral im Zentrum des Werkes, der von den Holzbläsern und Unisono-Hörnern inklusive Solist aufgegriffen wird, die andere Melodie mit seufzenden Sekunden und Sexten, die aus der Feder von JS . stammen könnten Bach, zu beiden Seiten des Chorals im Horn zu hören. Von diesem Punkt an greift die Komposition die Themen des ersten Abschnitts auf subtile bis dramatische Weise auf. Ein ausgedehntes Orchesterzwischenspiel mit melodisch doublinierten Hörnern g den Streichern, verklingt allmählich zu einer Coda mit dem Titel „Recessional“. Über einem leisen Ostinato im Orchester wiederholt der Solist im mittleren und unteren Bereich eine leise traurige Melodie, während er zwischen den einzelnen Sätzen zum Bühneneingang reist. Hier muss die Hornmelodie nicht mit dem Ostinato zusammenfallen, das schließlich verstummt Das Ende trifft den Hörer mit einer ergreifenden Nostalgie, dem Gefühl von etwas Verlorenem - etwas Wichtigem, aber Vagem, Undefinierbarem und schwer fassbarem Denken. Vielleicht ist es dieselbe Sehnsucht, die wir manchmal in bestimmten Sätzen von Mahlers Symphonien erleben. Eher der Hörer als stehende Ovationen zu bieten, hat den zwingenderen Wunsch, Beyond Autumn sofort zu proben, um seinen evokativen Geist irgendwie zurückzugewinnen.Es ist ein durchdachtes Stück, das dazu bestimmt ist, zu Beginn oder mitten in einem Orchesterprogramm programmiert zu werden.

Als Hornist, der die Partitur vor der Uraufführung untersuchte, kam mir zunächst die leicht „gekünstelte“ Idee auf, mit dem Horn im Off zu beginnen und zu enden, ein Effekt, der uns oft bei Hornkonzerten begegnet. Wir müssen jedoch bedenken, dass diese räumliche Wirkung, die regelmäßig an Veranstaltungsorten für zeitgenössische Musik auf der ganzen Welt erlebt wird, für das breite Publikum eines Orchesterkonzerts nicht üblich ist. Obwohl es eine Reihe traditioneller Orchesterwerke des 19. und 20. Jahrhunderts gibt, die visuelle und klangliche Raumwirkungen einbeziehen, gibt es meines Wissens nur ein „Konzert“, das außerhalb der Bühne Horn beinhaltet: Brittens Serenade für Tenor, Horn und Streicher. Was also auf dem Papier als möglicherweise nicht die originellste Idee erscheinen mag, kommt im Kontext des Orchesterspiels gut an (ungeachtet der folgenden Kritik).

Hier ist, was die Musikkritiker über die Aufführung sagten:

Diejenigen, die sich daran gewöhnt haben, moderne Musik in erster Linie als herb zu empfinden, sollten an diesem Wochenende eines der Konzerte des Dallas Symphony Orchestra besuchen. Das DSO präsentiert die Uraufführung von Joseph Schwantners Jenseits des Herbstes: Gedicht für Horn und Orchester, und es ist ein kraftvolles Werk, das einen angenehmen Nachgeschmack hinterlässt.

Man könnte sich das Werk von Herrn Schwantner als Hornkonzert vorstellen, nur dass es sich deutlich von dem üblichen Schaustück für ein Soloinstrument mit Orchester unterscheidet. Zum einen ist es düster – eine Stimmung, die nicht von mehreren Orchesterausbrüchen mit Schlagzeug und Blechbläsern durchbrochen wird. Für den Solisten gibt es keine auffällige technische Zurschaustellung. Stattdessen gibt es Musik von Substanz – und zweifellos von gewaltiger Schwierigkeit –, die die Stimmung des Werks verstärkt und zu seiner Gesamteinheit beiträgt. Dies ist kein Konzert, bei dem man eine Pause erwarten würde, damit der Solist seine Sachen mit einer Kadenz zeigen kann.

Jenseits des Herbstes ist ein Werk der Kontraste: aggressive Percussion mit sanften Violinen, Herbheit am Anfang und Ende, ausgeglichen durch eine lyrische Mittelepisode allein für die Streicher. Schließlich löst sich die Spannung friedlich auf: Es gibt ein verblassendes Ende, das den Hörer nach den letzten Tönen verfolgt. Dies ist ein Werk mit einer unverwechselbaren Persönlichkeit.

Der bemerkenswerte Gregory Hustis, der wichtigste Hornist des DSO, gab eine hervorragende Solo-Performance ab und das Orchester als Ganzes gab unter der Leitung von Andrew Litton eine beeindruckende Aussage ab. Herr Schwantner, der in Rochester, NY lebt, war anwesend, um vor der Vorstellung einige kurze Bemerkungen zu machen und den Applaus am Ende zu würdigen.

—Olin Chisholm, Dallas Morning News.

 

Auch wenn der Titel an etwas erinnert, was sich die Werbebranche für ein neues Eau de Cologne oder Wandfarbe ausgedacht haben mag, ist die Musik selbst außergewöhnlich. Es beginnt geräuschvoll, mit dem Horn hinter der Bühne – wie der Titel des Stücks ein nutzloses, aber harmloses Gimmick – und geht schnell in 20 Minuten wunderschön ausgearbeiteter Lyrik über, die nicht auf langen, schwungvollen Themen basiert, sondern auf kurzen Phrasen, die gekonnt und leidenschaftlich gehandhabt werden. Die unzähligen Orchestereffekte erinnern an Strawinsky; die extrovertierte, schamlose Neoromantik erinnert an Schwantners verstorbenen Kollegen an der Eastman School, das einst verhöhnte, aber heute respektierte amerikanische Symphoniegenie Howard Hanson.

Ein großes Lob an den Dirigenten Litton für die Präsentation dieses neuen Werkes und noch größeres Lob an den Solisten Hustis, den ersten Hornisten des Orchesters, für seine meisterhafte, sympathisch romantische Interpretation dieses neuen Werkes. Hier entfaltete das Horn sein Potenzial als eines der gefühlvollsten und heroischsten Instrumente des Orchesters.

– Wayne Lee Gay, Fort Worth Star Telegram.

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Die Biografie von Schwantner ist beeindruckend. Neben seiner Tätigkeit an der Fakultät der Eastman School of Music ist er derzeit Gastdozent in Yale und hat an der Fakultät von Julliard gedient. Er war Composer-in-Residence beim Saint Louis Symphony Orchestra im Rahmen des Meet the Composer/Orchestra Residencies Program, das von der Exxon Corporation, der Rockefeller Foundation und dem National Endowment for the Arts finanziert wurde. Er war Gegenstand einer Fernsehdokumentation mit dem Titel Soundings, die von WGBH in Boston für den nationalen Rundfunk produziert wurde.

Schwantners Nachtöne der Unendlichkeit erhielt 1979 den Pulitzer-Preis. Magabunda, „vier Gedichte von Agueda Pizarro“, aufgenommen auf Nonesuch Records von der Saint Louis Symphony, wurde 1985 für einen Grammy Award in der Kategorie „Beste neue klassische Komposition“ nominiert, und seine Ein plötzlicher Regenbogen, ebenfalls von der Saint Louis Symphony auf Nonesuch aufgenommen, erhielt 1987 eine Grammy-Nominierung als „Best Classical Composition“. Musik des Bernsteins gewann den ersten Preis - Kennedy Center Friedheim Awards 1981, Ein plötzlicher Regenbogen gewann 1986 den dritten Preis der Kennedy Center Friedheim Awards. Zu seinen auf CD veröffentlichten Werken gehören Schwarze Anemonen, Neuer Morgen für die Welt, aus der Ferne..., Nachtöne der Unendlichkeit, Ambermusik und die Berge, die nirgendwo aufsteigenund Ein Spiel der Schatten. Er hat viele Stipendien gewonnen und seine Musik wird von Helicon Music Corporation, CF Peters Corporation und European-American Music veröffentlicht.

Schwantners Musik wurde von einer Vielzahl von Orchestern auf der ganzen Welt aufgeführt, darunter mehrere große Musikfestivals, und Aufträge kamen vom New York Philharmonic, dem Pacific-Northwest Ballet, dem Barlow Endowment, dem First New York International Festival of the Arts, dem Boston Symphony , Saint Louis Symphony, San Diego Symphony, Fromm Music Foundation, Naumburg Foundation, Chamber Society of Lincoln Center, American Composers Concerts Inc., American Heritage Foundation, Los Angeles Chamber Orchestra, Saint Paul Chamber Orchestra, Canton Symphony, Solisti New York Chamber Orchestra , und der American Telephone and Telegraph Company.

Die Musik von Joseph Schwantner ist besonders geprägt von einzigartigen und faszinierenden Farben, einer Lyrik des 20. Jahrhunderts und einem dramatischen rhythmischen Interesse. Obwohl er vor allem im Schlagzeug eine Vielzahl instrumentaler Farben verwendet, hat seine Musik eine dramatische Intensität und Substanz, die über bloße formale Gesten hinausgeht. In einem Radiointerview mit Professor Schwantner, das vor der Premiere im Raum Dallas ausgestrahlt wurde, gestand er, sich von den Sinfonien Gustav Mahlers, dem „Komponisten des Komponisten“, für ihre direkte und unverschämte Lyrik und exquisite Orchestrierung inspirieren zu lassen. Sein neues Schlagzeugkonzert hat die Orchesterwelt im Sturm erobert und zahlreiche Aufführungen und internationale Anerkennung erhalten; im wahrsten Sinne des Wortes ist es auch eine tolle Komposition.

Ebenso Jenseits des Herbstes, wird zweifellos seinen Platz im Orchesterrepertoire finden, vielleicht als eindringlicher „langsamer Satz“ in Schwantners Konzertzyklus. Wenn man die Geschichte der musikalischen Komposition objektiv betrachtet, würden die meisten Musiker zustimmen, dass einfach adäquate Komponisten in der Lage sind, akzeptable schnelle Stücke und Sätze zu schreiben. Allerdings haben nur künstlerische Giganten das Können und die Tiefe des Ausdrucks besessen, um einprägsame langsamere Kompositionen oder Bewegungen zu komponieren. Wir haben einen, er ist berechtigt Jenseits des Herbstes, und es ist unser Vermächtnis an die nächste Generation von Hornisten!

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