von Julie Landmann

Ich habe kürzlich Julie Landsman, pensionierte Solohornistin des Metropolitan Opera Orchestra und Hornprofessorin an der Juilliard University und der University of Southern California, zu ihrem Hornspiel und ihrem Unterricht interviewt. Wir diskutierten die Grundlagen von Technik und Musikalität und wie man diese Dinge den Schülern beibringen kann. Der folgende Aufsatz bringt Julies Worte in einen narrativen Fluss über Hornspiel und Pädagogik. Wir begannen damit, über Carmine Caruso zu sprechen, der in den 1970er Jahren mit vielen Blechbläsern zusammenarbeitete und eine Reihe von Übungen zum Aufbau einer stabilen Technik entwickelte. -Daniel Grabois, Herausgeber der Kolumne Pädagogik

Die Carmine Caruso-Übungen sind ein fester Bestandteil meines Unterrichts und Spiels. Sie sind dort, seit ich zwölf bin. Ich bin immer in der Carmine-Denkweise, wenn es um ein Horn geht. Aber ich habe festgestellt, dass man sich wirklich im Tempo des Schülers bewegen muss, nicht der Methode. Als Lehrer klug zu sein in dem, was ich meinen Schülern gebe, hilft wirklich dabei, das, was ich jedem Schüler im Caruso gebe, individuell anzupassen. Zum Beispiel kommen einige meiner Schüler ohne kostenloses Summen besser zurecht, und wir finden vielleicht ein paar Möglichkeiten, dies zu umgehen. Es kommt wirklich auf den Schüler an. Wenn Sie freies Summen erzwingen, könnten Sie in Schwierigkeiten geraten.

Was man mit dem Caruso nicht machen möchte, ist es zu übertreiben. Wer es übertreibt, riskiert Verletzungen. Das Mundstück an Ort und Stelle zu lassen und durch die Nase zu atmen ist eine wirklich gute Idee für das Caruso, aber ich würde es niemals für das regelmäßige Spielen empfehlen. Es hilft, den Ansatz zu stabilisieren, während er sich durch die Register bewegt. Diese Methode hat so viele Aspekte, die ich als therapeutisch und hilfreich empfinde. Die Entwicklung eines Ansatzes, der beim Durchlaufen der Registerbrüche nicht viel zurückgesetzt werden muss, ist einer der größten Vorzüge der Caruso-Methode.

Es gibt viele Verfeinerungen der Funktionsweise des Ansatzes. Das Konzept der Verwendung von Unterteilungen für die Bewegung ist entscheidend. Wenn Sie Ihre Unterteilung verfeinern, während Sie sich durch die Intervalle bewegen, indem Sie die Unterteilung von 16 verwenden^th Noten im Takt, bevor Sie sich bewegen, es verfeinert wirklich, wie sich Ihre Chops bewegen (mit den Hunderten von Muskeln, die es braucht, um sich von einer Note zur nächsten zu bewegen), und was Sie wollen, ist Koordination und Verfeinerung, damit Ihre Technik sauber und klar ist . Diese Verfeinerung zeigt sich wirklich in Orchestervorspielen, wo Rauheit ein Deal Breaker ist.

Die Definition der Horntechnik beinhaltet den Aufbau von Grund auf. Wie funktioniert Ihre Unterstützung? Wie funktioniert Ihre Luft? Sind sie im Gleichgewicht mit der Funktionsweise Ihres Ansatzes? Wenn Sie eine gute Grundlage, einen guten Schlag und eine gute Unterstützung haben, wird es Sie mit der Balance sehr weit bringen, und die Balance im Ansatz ist wesentlich. Die Zunge zum Beispiel kann ohne Unterstützung und Blasen nicht arbeiten. Ich unterrichte Grundlagen durch Caruso, aber ich habe auch studiert Alexander Technik und Feldenkreis. Diese beiden Methoden haben mir wirklich bei der Grundierung geholfen, sodass Ihr Körper mit Luft und Unterstützung optimiert wird.

„Unterstützung“ ist ein sehr amorphes Konzept, da wir es nicht sehen können. Es ist das Engagement Ihres Kerns in Ihrem Hornspiel. In meinen letzten Jahren an der Met begann ich zu studieren Alexander Technik, und ich lernte, meinen Bauch einzuziehen, um den Klang zu unterstützen. Dies war ein wesentlicher Aspekt des gesunden Spielens: Ohne Unterstützung und ohne Schlag bestrafen Sie Ihre Schläge (Ansatz) mehr, als sie bewältigen können. Sie können Ihre Chops und Ihre Ausdauer ohne ein ausgewogenes Verhältnis von Luft und Unterstützung tatsächlich beschädigen.

„Gute Luft“ bedeutet einen sich ständig bewegenden Luftstrom. Es könnte stetig und schnell (laut) oder stetig und langsam (leise) sein, aber es bewegt sich und ist engagiert und konstant. So füttern wir unsere Koteletts, um ein dynamisches Spiel zu erzeugen. Dies sind wesentliche Zutaten im Rezept für gutes Hornspiel.

Es gibt etwas namens „Geschmack“ der Note, das ist eine wunderbare Sache, die wir Hornisten tun können. Wir können es hören, wir können es fühlen, wir können es sehen, und dann timen wir es und spielen es. Wie schmeckt diese Note? In Caruso gibt es eine Übung zum Verkosten von Noten, die Genauigkeit entwickelt. Wie eine Note schmeckt, hat einen gewissen magischen Aspekt. Als junger Student in einer beginnenden Band war ich verwirrt, dass Klassenkameraden wussten, wie sie die erste Note finden, die sie spielen mussten. Woher wussten sie es? Während wir altern und üben und uns entwickeln, entwickelt sich der Geschmack der Noten und wird automatisch und natürlich.

Ich nicht jemals Denk an meine Lippen. Ich leite meinen Ansatz nicht durch Anweisung. Ich fühle es einfach. Wenn ein anderer Hornist oder ein Schüler einen Ton spielt, fühle ich diesen Ton mitfühlend. Wir entwickeln mit der Zeit einfach ein Gespür für Wiederholungen.

Viele Spieler verlieren, wenn sie ihre Kinnlade herunterklappen, um in das tiefe Register zu gehen, gleichmäßigen und gleichmäßigen Druck auf ihre Schläge. Wenn das passiert, kann ich sagen: „Stellen Sie sicher, dass Sie beide Zahnreihen fühlen.“ Spieler verlieren oft diesen Kontakt, wenn sie absteigen. Ich kann hören, wenn ein Schüler diesen Kontakt verliert, weil der Ton instabil wird. Es sollte in allen Registern ähnlich und schön klingen (in einer idealen Welt). Ein Stimmgerät ist ein großartiger Lehrer für das Absteigen durch die Register: Wenn es flach wird, wissen Sie, dass Sie im unteren Bereich nicht genug Druck ausüben. Ich helfe meinen Schülern, langsam und schrittweise zu entdecken, wie sie sich mit dem Mundstück verbinden. Also rede ich über Koteletts, wenn es Ärger gibt.

Wenn der Schlag (Luftstrom), der aus der Öffnung und durch das Horn geht, gleichmäßig und gleich dem Druck an der Vorderseite ist, sind Sie gut. Wenn Sie überblasen und nicht genug Druck vorne haben, wird der Sound rau. Und wenn Sie das Mundstück vorne in Ihre Koteletts schlagen und es nicht mit einem guten Schlag halten, der eine gleichmäßige und gute Unterstützung hat, können Sie in Schwierigkeiten geraten und sich verletzen.

Weniger denken ist besser. Viele Lehrer verwalten die Prägungen ihrer Schüler im Mikromanagement. Ich bevorzuge die größeren Muskelgruppen: Po, Bauch, Kern und Steißbein – diese stabilisieren so viel mehr als das Mikromanagement des Ansatzes. Ich erinnere meine Schüler ständig daran, ihr Denken auszuschalten. Ich lenke ihren Fokus weg von ihren Koteletts.

In den besten Momenten bin ich voll und ganz bei dem, was ich tue: die Musik zu lieben, meinen Teil zu lieben, meinen Beitrag zu lieben, meine Kollegen zu lieben und das, was ich auf der Bühne höre. Ich beschäftige mich mit positiven Emotionen. Ich zeit auch sehr stark, was ich tue. Ich versuche, es einfach klingen zu lassen, auch wenn es schwer ist. Ich möchte eine „Werkzeugkiste der Leichtigkeit“, und Nummer eins ist das Timing. Nummer zwei: blase und stütze ich? Darüber hinaus, wenn ich mir Sorgen mache, habe ich Dinge in der Werkzeugkiste, um Sorgen zu ersetzen. Zum Beispiel habe ich viele Auftritte in meinem Herzen meinen Eltern gewidmet. Es läuft eine Live-Aufnahme meine Website of Va tacito aus Händels Oper Giulio Cesare. Ich hatte vor sechs Wochen eine Lungenentzündung gehabt, also fühlten sich meine Koteletts NICHT gut an. Ich musste viel meditieren und visualisieren, um mich von der Sorge zu lösen und stattdessen zur Vorstellungskraft überzugehen. Ich spielte die Arie im Gespräch mit meinen Eltern und dankte ihnen mit dankbarem Herzen für alles, was sie für mich getan haben. So habe ich meine hohe Angst bewältigt, und es lief super. Ich bin so stolz auf diese Aufnahme, wo ich andere Energie kanalisiere. Es hat NICHTS mit Technik zu tun – es dreht sich alles um Vorstellungskraft.

Um aus deinem Kopf herauszukommen, musst du etwas Stärkeres finden als das, was in deinem Kopf ist. Versetzen Sie sich in eine Szene und geben Sie so viele Details wie möglich für die Szene an. Sie sollten experimentieren. Finden Sie etwas ganz Bestimmtes, das Sie sich vorstellen können, und denken Sie sich eine Geschichte aus, damit Sie beim Spielen in die Details der Geschichte verwickelt sind, anstatt über Ihre eigenen Sorgen nachzudenken. Sie müssen die Geschichte stärker machen als die Sorge. Und es macht Spaß!

Der Zweck der Caruso-Übungen besteht darin, sich zu befreien, damit Sie vollständig in die Musik eintauchen können.

Die größte Bildung, die Sie sich geben können, um zu wissen, wie Sie klingen möchten, besteht darin, anderen zuzuhören, die auftreten. Es müssen keine Hornisten sein. Als ich in der High School war, war ich fünfmal die Woche in der Oper und hörte unglaublichen Sängern zu. Meine Welt hat sich verändert, als ich diesen Sängern zugehört habe. Ich wollte genau wie Marilyn Horne klingen: eine schöne, zentrierte Tonhöhe mit einem soliden Kern und einem satten, cremigen Äußeren. Kann ich bitte jemals so klingen?

Ich wärme mich bei Caruso auf: sechs Töne, Lippen-Mundstück-Horn und so weiter; Ich habe eine feste Routine, die ich erweitern kann. Ich bewege mich durch alle Register und spüre die Flexibilität.

Als ich als Student zu Juilliard kam, konnte ich überhaupt nicht niedrig spielen. Ich begann mit Carmine Caruso im tiefen Register zu arbeiten: wie man übt und was zu tun ist, um den Klang gleichmäßig und stimmig zu machen. Ich habe einen ganzen Sommer daran gearbeitet, das zu entwickeln. „Gleichmäßiger und gleichmäßiger Druck“, sagte er mir: Lass die Lippen das Gleichgewicht finden.

Was braucht es, um das Gleichgewicht auf dem Fahrrad zu lernen? Wiederholungen, Stürze, Knieverletzungen und wieder aufs Fahrrad steigen. Ihr Körper kann natürlich mit der Zeit und Wiederholung die Balance finden. Ich mag es, mit meinen Schülern das Kreativitätsniveau zu erhöhen: Denken Sie über Bilder, Farben, Szenen nach. Das visuelle Element kann die Schüler von ihren Gedanken ablenken wie spielen. Ich versuche, die analytische Seite des Gehirns abzulenken, damit die kreative Seite aktiver ist als die analytische. Die Schüler haben ihren eigenen Lernstil und ihr eigenes Tempo. Der Meisterlehrer behandelt jeden Schüler als Individuum. Wie erziele ich als Einzelperson die besten Ergebnisse von dieser Person? Muss ich meine Vorgehensweise ändern? Ich suche einfach weiter und akzeptiere nichts weniger als groß.